Topipittori

Sbarcare il lunario: la giornata di un'illustratrice

2012-02-24T08:55:00.000+01:00

Ciao, sono Ettore, il vero protagonista di questa storia.

[di Sara Stefanini]

La sveglia suona alle 7:30 del mattino. Ettore, il mio bassotto, sta seduto in fondo al letto, pigola per uscire. Fa la sua piccola danza per invogliarmi ad alzarmi. Guardo fuori. Ho bisogno di un caffè. Mi vesto, cerco di acchiappare Ettore che, appena vede il guinzaglio, sembra morso dalla tarantola e usciamo.

Mi chiamo Sara, ho 29 anni e faccio l’illustratrice da circa cinque. Sono svizzera e da qualche mese mi sono trasferita a Roma. La prima cosa che mi chiedono quando mi presento è: «E che cosa ci fai qui?»

Ciao, sono Sara. Pensavo di essere io la protagonista, ma...
Qui sono a uno dei mille mercatini che frequento,
per vendere i miei handmade.

I motivi sono molti, uno dei quali le opportunità: una grande città può offrire più possibilità del piccolo paese dal quale provengo. Mi sono scelta una professione difficile, e tutti quelli che stanno leggendo questo pezzo lo sanno, forse anche meglio di me.
Quando ho detto a mia madre che cosa volevo diventare da grande (e questo è avvenuto all’età di 22 anni) c’è mancato poco che le prendesse una sincope. Il suo timore era quello che sarei dipesa da lei tutta la vita… Non era una paura dichiarata, ma ogni domanda che mi faceva era velata da una leggera preoccupazione, da messaggi subliminali ai quali una figlia è, di solito, sensibilissima. Che fatica dimostrare, a me stessa per prima, che non sarebbe stato così!

8:15. Ettore ha deciso di rotolarsi nel fango. Quindi dovrò perdere almeno dieci minuti per lavarlo ed asciugarlo. Guardo l’orologio e vedo che ho ancora un po’ di tempo. Ieri sera ho finito le correzioni sulla seconda bozza del giornalino del quale mi occupo e questa mattina posso prendermela con più calma.

Una illustrazione per Hansel e Gretel

Il mio obiettivo è sempre stato quello di vivere grazie a quello che amo di più fare. Purtroppo però ho sempre dovuto lavorare in altri settori per potermi mantenere e non sentirmi dire da mia madre quel fastidioso “te l’avevo detto”.
Per dieci anni ho lavorato in un cinema multisala a Lugano. Dapprima lo affiancavo agli studi, poi al lavoro d’illustratrice. Ovunque fossi, il weekend rientravo in Ticino e vendevo popcorn, biglietti, rispondevo al telefono immersa nella confusione delle prime cinematografiche o nei deliri iracondi di alcuni clienti. Tutto sommato era il lavoro perfetto: orari serali o weekend, salario buono, bella compagnia e naturalmente film gratis. Mi permetteva di disegnare tutto il giorno e di concentrarmi su ciò che stavo progettando.

Un'altra illustrazione per Hansel e Gretel

9:00 Controllo le email. C’è la conferma per il mercatino al quale avevo fatto domanda per uno spazio espositivo. La cifra per lo stand è di 35 euro, lo spazio a disposizione è di 2 metri quadrati. Il tavolo lo devo portare io. Questa sera quando rientro farò il bonifico.

Mi è capitato di fare tre/quattro lavori insieme. Quando abitavo a Milano mi ero trovata un full time in un’azienda presso cui facevo la grafica. Nel frattempo continuavo la mia ricerca e mandavo mail a case editrici e riviste, cercando di far girare il mio portfolio il più possibile. Pian piano le cose cominciarono a muoversi e arrivò la commissione per il mio primo libro. Come spesso capita, quando inizi a fare qualcosa subito te ne si somma un’altra, e un’altra, e un’altra ancora, e in brevissimo tempo a quel full time si aggiunse un libro illustrato poi un altro, i lavori per il Museo della Scienza e della Tecnica “Leonardo Da Vinci” di Milano, altri piccoli progetti e naturalmente il weekend al cinema.

Un'illustrazione inedita

Appena arrivata a casa mi mettevo a lavoro per ore, ma il tempo che mi rimaneva per dipingere era poca cosa e mi sembrava di non riuscire ad esprimere tutto quello che volevo, nel modo in cui volevo. Come se le immagini che creavo partissero dalla testa ma nel percorso per arrivare alle mani si dissolvessero perdendo intensità. Il full time assorbiva tutte le mie energie, mi sembrava di trattenere il respiro per otto ore e di poter ricominciare a respirare una volta tornata a casa, con quella matita in mano. Dopo quasi tre anni, ho preso coraggio, ho lasciato il lavoro in azienda e mi sono buttata nell’attività di freelance.

9:10 Spengo il computer e corro al lavoro. Ho la fortuna di abitare a 15 minuti a piedi dall’ufficio, e la cosa è assai importante per chi come me finisce un lavoro ne inizia un altro. Scese le scale apro il libro e comincio a camminare, leggendo… si sfrutta ogni minuto, anche se i vecchietti che incontro e scontro brandiscono il loro bastone contro di me!

E un'altra illustrazione inedita, per il progetto "Margherita"

Per i primi mesi il lavoro da freelance è andato bene, poi ha cominciato a diminuire. Avevo sempre qualche commissione, soprattutto in campo grafico, ma era il cinema il perno intorno al quale giravano i miei guadagni. Nel frattempo mi ero inventata delle attività alternative. Avevo cominciato ad allestire vetrine per un negozio di Milano e a progettare una piccola linea di oggettini illustrati. All’inizio li creavo per me, poi ho pensato di venderli. Ho progettato un logo, delle etichette, cercato un packaging adatto alle mie esigenze, e li ho presentati ad alcuni negozi, proponendoli in conto vendita. Trasferendomi a Roma li ho portati con me. Roma è la città dei mercati! Incredibile quanti ne vengono organizzati dalle diverse associazioni e quanti artigiani ci puoi trovare.

Uno dei miei oggetti illustrati

18:00 Esco dall’ufficio, faccio due chiacchiere con una collega e mi avvio verso casa. Il lavoro sulla bozza del giornalino, che pensavo fosse completo, ha altre cose da sistemare ed è arrivato l’articolo che devo illustrare per una rivista on-line.

Da quando vivo a Roma ho dovuto, per ovvie ragioni, dire addio al mio posto al cinema, e ora lavoro come grafica in uno studio. Mi piace. È la prima volta che sono in un ufficio dove mi trovo a mio agio e dove c’è uno scambio stimolante ogni giorno. All’inizio il full time mi preoccupava un po’. Avevo paura di non riuscire a dare abbastanza spazio al disegno, ma tornare a casa felice mi permette di concentrarmi di più sui miei progetti personali.

La mia mostra delle tavole di Hansel e Gretel, a Roma,
alla Galleria Makemake, Spazio&Arte

18:15 Ettore mi aspetta davanti alla porta. Saltella, pigola, mordicchia, mi porta l’osso. Esco e gli faccio fare un giro. Camminare mi rilassa, penso a quello che devo fare, a quello che voglio fare, e quando rientro mi metto di nuovo al lavoro.

Prima di trovare questo posto a tempo pieno, occupavo le mie giornate cercando lavoro e continuando i miei progetti; scrivendo, sperimentando e sfruttando il più possibile il tempo a disposizione per migliorare. Ogni giorno setacciavo la rete per trovare nuovi sbocchi. Cercavo dei contatti che potessero aiutarmi ad organizzare mostre o a propormi per dei mercati. Pensavo a nuove attività, da fare da sola e con altri illustratori. Progettavo i laboratori che avrei fatto in sede di mostra qualche mese dopo. Leggevo, guardavo, toccavo, immagazzinavo. Facevo tutto quello che faccio sempre, aggiornando il blog, mandando newsletter agli editori che mostravano interesse per il mio mondo, partecipando a concorsi.

Un'illustrazione per il settimanale "Grazia",
con cui collaboro spesso.

Molto spesso ti trovi ad accettare lavori che non ti piacciono, perché devi pagare le bollette a fine mese. A volte ti trovi a lottare per farti pagare quello che ti spetta. A volte trovi la posta intasata di mail dai NO tuonanti, o dai silenzi di risposte mai spedite. Ci sono momenti in cui penso di lasciare tutto e mettermi a fare marmellate o a vendere fiori, qualsiasi cosa che non sia disegnare. Che non abbia quel sapore lì, che ti riempie e ti svuota. Ma poi penso che non potrei mai smettere. Disegnare fa parte di me, e non m’importa se con grande probabilità non potrò accendere un mutuo o fare il giro del mondo in mongolfiera. Ho fame di tutto.

Una mia vetrina illustrata, a Milano,
in via Vigevano.

Ultimamente sto pensando all’autoproduzione. Vorrei fare cose, raggruppare persone che stimo e a cui voglio bene per far nascere cose belle che durino nel tempo.
Perché è peccato pensare una cosa alla volta, perché è bello poter avere la testa fra le nuvole, ma i piedi ben piantati a terra.

1:12 Anche l’ultima parola è stata scritta, i lavori spediti ed ora si fa strada quella pace che solo la stanchezza e la soddisfazione ti sanno lasciare addosso. Buona notte.

[Tutte le immagini sono © Sara Stefanini]

Cincischio, non mi agito e vado lemme lemme/II

2012-02-23T09:00:00.002+01:00

[La scorsa settimana abbiamo pubblicato Cincischio, non mi agito e vado lemme lemme/I, prima parte dell'intervista alle tre fondatrici di Spazio Bradipo. Qui, la seconda parte.]

Mask’Animo, gioco della casa francese Mitik.

A un anno dall'apertura, che bilancio fate? In che modo il territorio ha risposto alle vostra presenza, sia come libreria sia come spazio di cultura?
Abbiamo aperto il Bradipo per scelta non a Bologna, ma a Casalecchio (una città di 35.000 abitanti, limitrofa a Bologna), interessate alla scommessa di lavorare su un territorio dove ci sono ottime istituzioni culturali pubbliche (la biblioteca, il teatro), ma dove una libreria per ragazzi mancava. Come piccola libreria indipendente scontiamo pesantemente la presenza delle catene nei grandi centri commerciali che qui proliferano. Non manca tuttavia una piccola clientela affezionata che gradisce la selezione di libri e giocattoli: il fatto che al Bradipo “non ci si perda” in una scelta dispersiva. Come atelier invece siamo molto soddisfatte. La risposta c'è: da Casalecchio e anche da Bologna.

Laboratorio dal gioco Mask’Animo

Avete stabilito collaborazioni fra il vostro spazio e le altre istituzioni culturali presenti sul territorio? Se sì, funziona la sinergia?

Sì, con il Centro di Documentazione Pedagogica con cui curiamo l'aggiornamento delle operatrici dei nidi sugli albi illustrati e con un progetto sperimentale a cui teniamo molto: l'Archeologia scolastica. Negli scantinati delle scuole si stipano, abbandonati, strumenti di vecchia tecnologia che i bambini nativi digitali non conoscono: registratori a cassette, macchine fotografiche analogiche, proiettori di diapositive, lavagne luminose.
L'idea è quella di scoprire con i bambini questi tesori nascosti per farne un uso tradizionale e divergente (un esempio su tutti: le proiezioni dirette di Munari). Collaboriamo poi con la Casa della Conoscenza, invidiabile Biblioteca Comunale.

Laboratorio dal gioco Mask’Animo.

Infine, interessante è la sinergia con il Teatro Testoni di Casalecchio. In parallelo alla programmazione per scuole e famiglie proponiamo laboratori progettati ad hoc. La mancanza di risorse economiche fa sì che queste iniziative si basino sostanzialmente su un'economia non monetaria, che rende difficoltoso lavorare con tempi di progettazione almeno a medio termine (per esempio, il teatro, gestito dalla fondazione Emilia Romagna Teatri, e che negli ultimi anni ha fatto un preziosissimo lavoro, non sa ancora se la convenzione con il Comune, che scade ad aprile, sarà rinnovata e in che termini).

Nel vostro spazio avete spesso ospiti, a proporre attività rivolte ai bambini. Come li selezionate?

Laboratorio dal gioco Mask’Animo.

In tanti anni di lavoro abbiamo costruito una rete di contatti, collaborazioni e scambi con chi opera in questo campo, sia a Bologna che nel resto d'Italia (e in alcuni casi d'Europa), convinte che il confronto sia importante. In questo momento non possiamo permetterci di chiamare e pagare adeguatamente tutte le persone che ci piacerebbe ospitare. Offriamo il nostro spazio la nostra rete e le nostre capacità di comunicazione a chi condivide il nostro approccio e sceglie di rischiare con noi onori e oneri.
Tra gli altri ricordiamole collaborazioni con Ottomani che si occupa di cinema di animazione, l'associazione qb quanto basta che si occupa in particolare di pedagogia musicale, e, a costo di annoiarvi, ancora Flavia Ruotolo, che da noi presenta il suo Zoo, edito da Memo, insieme al gioco che lo accompagna.

Laboratorio dal libro e gioco Zoo, Memo.

Infine, ci fa anche piacere offrire una piccola opportunità a quegli operatori giovani che magari hanno meno esperienza, ma molto entusiasmo.

Quali sono le caratteristiche, a vostro avviso, irrinunciabili nelle attività che proponete, vostre e altrui?

La qualità, la cura, la disponibilità a fare proposte non convenzionali e aperte. Credo che i laboratori siano un dispositivo per fare ricerca.

Come si impara a fare questo mestiere e, personalmente, da che esperienze formative provenite?
Noemi Bermani: Io sono laureata in sociologia dell'arte al Dams di Bologna. Lavoro con i bambini per scelta.

Mostra delle illustrazioni dal libro Zoo, Memo.

Raccontare l'arte (in senso lato) ai bambini richiede curiosità e capacità di sintesi. Spesso la poetica di un artista mi è risultata più chiara nel percorso didattico di un museo che in un saggio critico. Faccio laboratori da vent'anni e in quest'arco di tempo,
in una sorta di bulimia formativa, ho seguito diversi percorsi (in particolare il master dell'Associazione Bruno Munari e l'Accademia Drosselmeier); soprattutto
all'inizio, ho girato molto per conoscere le persone che fanno questo mestiere e le loro esperienze. Come dice Antonio Faeti è fondamentale creare connessioni. È un lavoro che si impara sperimentando, facendo ipotesi e discutendo per ore con i colleghi. Ma soprattutto osservando e restando in ascolto. Per quanto riguarda il mestiere di libraia, invece, sono una novellina.

Laboratorio dal libro e gioco Zoo, Memo.

Valentina Gamberini: Il mestiere, oltre che con l'esperienza, si impara con la passione, il resto viene da sé. Certo la strada è lunga e noi siamo ancora alle primissime armi. Mi sono laureata in antropologia, ma anziché partire per scoprire nuovi mondi, ho deciso di provare a diventare libraia. In fondo è sempre stata la risposta alla domanda "cosa vorresti fare da grande?". Ho frequentato a Bologna un corso per librai e giocattolai, dove ho conosciuto Noemi. Ho svolto un tirocinio formativo presso la libreria per ragazzi Il Castello di Carta di Vignola e poi un giorno ho ricevuto una mail da Noemi: “C'e’ un progetto Bradipo in atto...”

Laboratorio dal libro e gioco Zoo, Memo.

Valentina Picelli: Questo è un mestiere di costante ricerca, che si costruisce giorno per giorno in un circuito virtuoso di pratica, osservazione, ascolto, senza però mai dimenticare il rigore dello studio. La sfida e l’impegno stanno nel non fossilizzarsi, nel non diventare autoreferenziali, nell'essere critici con se stessi, nel non temere l'inattualità. Personalmente ho amato i libri sin da piccola, ho studiato dapprima al liceo classico-linguistico e poi mi sono laureata in Lingue e Letterature Straniere.


Laboratorio dal libro e gioco Zoo, Memo

La nascita di mia figlia mi ha “riammesso” nel mondo dei più piccoli e della letteratura per l’infanzia. Così, accanto alla passione, c’è stata nuova voglia di conoscere e imparare. Ho frequentato il corso annuale dell’Accademia Drosselmeier e poi mi sono iscritta al curriculum di Pedagogia presso Scienze della Formazione. Per anni ho avuto la possibilità di crescere attorno al prezioso gruppo della Cooperativa Giannino Stoppani; e, grazie alla mia piccola Giulia, di vivere in prima persona la “cultura per l’infanzia”, arricchendo il mio percorso di incontri, scambi e intrecci importanti.

I regni dell'immagine/ 5. Facce!

2012-02-22T09:02:00.001+01:00

Irving Penn, Saul Steinberg in nose mask, New York, 1966

Spesso, quando mi dedico alla valutazione dei portfolio che ci arrivano a centinaia da tutto il mondo, osservando le illustrazioni mi trovo a riflettere che uno dei maggiori problemi da risolvere per un illustratore è quello della rappresentazione della figura umana. E, in particolare, quello del volto.
In questo periodo di carnevale, è interessante osservare come il volto, per strade e piazze, si trasfiguri nella sua rappresentazione e trovi nella maschera la sua faccia ludica, misteriosa, seducente, liberatoria.

Saul Steinberg & Inge Morath, Masquerade, 1959 -1961.

In origine, persona in latino significava maschera. Il nostro volto siamo noi. Ma il nostro volto è anche la parte che del nostro corpo ci è più estranea, non solo perché non la vediamo mai, se non allo specchio o in fotografia o in filmato, ma soprattutto perché è quella che gli altri identificano con noi e con la nostra identità. Cioè con quanto di più sfuggente esista. Infatti, sappiamo bene che non solo apparenza e sostanza, dentro e fuori, possono non coincidere affatto, ma che la conoscenza autentica di sé è uno dei traguardi più difficili dell'esistenza umana. Insomma, oltre che per un fatto squisitamente tecnico, si comprende bene per quali ragioni cimentarsi con la rappresentazione della figura e del volto umani sia tanto difficile e richieda una maturità, un'esperienza e un dominio espressivo notevoli.

Saul Steinberg & Inge Morath, Masquerade, 1959 - 1961.

Il gioco fra maschera e volto è sottile, sempre in bilico fra pulsioni individuali e annullamento dell'ego, fuga da se stessi, fra disvelamento e nascondimento, verità e menzogna. Il desiderio di vivere altre vite, quello di essere diversi da come si è; la curiosità di impersonare temporaneamente un'identità altra o di entrare in dimensioni diverse dalla propria; l'ambizione di abbandonare il proprio ruolo per interpretarne altri, diversi e negati dalla propria condizione; il sogno di avere qualità, attributi e poteri straordinari che non si possiedono; il desiderio di nascondere la propria identità per salvaguardarla e preservarne l'integrità dalle costanti minacce di che cerca di uniformarla o di costringerla in ruoli estranei; la voglia di trasgredire le norme e l'ordine costituito senza incorrere in punizioni e senza compromettere il proprio volto socialmente accettabile e riconosciuto;

Saul Steinberg & Inge Morath, Masquerade, 1959 - 1961.

e, infine, l'aspirazione ad assurgere a una condizione di impersonalità per incarnare ruoli, funzioni, compiti sovraindividuali: ecco alcune delle molte dimensioni che si sono nascoste e si nascondono dietro le maschere ed ecco le ragioni della fortuna che queste hanno avuto in tutte le culture umane.
Sulle maschere, sulla storia, sul ruolo che hanno avuto nelle diverse epoche e civilità umane, la letteratura è immensa. E il carnevale è, naturalmente, solo uno dei numerosissimi ambiti in cui la pratica della dissimulazione e del mascheramento è implicata. Sul tema delle maschere e su quello del volto ho in mente due belle mostre. Una, Africa. Capolavori da un continente, che si è tenuta parecchi anni fa a Torino, sulle maschere africane, che sono fra le più interessanti, spaventose, complesse, sorprendenti, meravigliose che mai siano state create e con le quali, infatti, l'arte moderna ha un debito enorme.

Saul steinberg, Mask, 1959 - 1965.

Africa. Capolavori da un continente, Gam, Torino, 2003.

In proposito, ricordo che al termine di questa esposizione, entrati nella sala dedicata, appunto, a opere di artisti del Novecento ispirate all'arte africana, l'impressione fu, dopo aver visto ciò che anonimi artigiani africani erano riusciti a produrre, che Braque, Picasso, Modigliani, Gris, Moore, Brancusi, e altri colossi par loro, fossero scolaretti alle prime armi. Medesima impressione al Mart di Rovereto, durante una visita alla mostra Modigliani scultore, dedicata ai volti in pietra dell'artista livornese. In esposizione, fra le altre cose, teste cicladiche e classiche, volti di Budda provenienti da diverse aree orientali, un kouros di splendore abbagliante, la meravigliosa Battista Sforza di Francesco Laurana. Arrivati a Picasso e Modigliani si era quasi imbarazzati, per quanto dirlo sia un'enormità.

Modigliani scultore, Mart, 2010.

Recentemente, una maschera è diventata famosa in tutto il mondo: quella di Guy Fawkes, protagonista, nel 1605, della Congiura delle Polveri, il quale insieme a un gruppo di cospiratori cattolici progettò di far saltare in aria il parlamento inglese.

La storia di questo inquietante volto candido dal sorriso beffardo, che in tutto il mondo improvvisamente ha assunto un ruolo di primo piano in rivolte, manifestazioni e scontri di piazza, mette in risalto quanto, di volta in volta, la rappresentazione di un volto umano, attraversando epoche, contesti, culture, possa assumere, perdere, modificare, e caricarsi di funzioni, attributi e significati nuovi.
Mutuata dal protagonista del fumetto V for Vendetta di David Lloyds e Alan Moore, un rivoluzionario ribelle mascherato che combatte contro un'oligarchia dispotica, la maschera di Guy Fawkes è stata assunta a simbolo della ribellione contro la tirannia e adottata dapprima da Anonymous, il gruppo di hacker noto per aver attaccato siti di grandi corporation e di governi oltre che per la difesa di Julian Assange, e in seguito da Occupy Wall Street e dalla protesta gemella contro la City. Rapidamente, poi, ha fatto il giro del mondo, facendo la sua comparsa in tutte le proteste nate da movimenti spontanei contro i poteri occulti di banche, società finanziarie e lobby politiche (è disponibile in rete a modica cifra).

Londra, Gran Bretagna, 17 novembre 2011. (Stephen Simpson/LNP).

Sì, le maschere hanno una grande carica trasgressiva. E incutono timore. Anziché farne mistero, come invece vogliono le convenzioni sociali, ci mostrano infatti che una sottile e fragile superficie colorata può davvero rendere impenetrabile la verità dell'altro, rendendolo un abisso inattingibile. Sorella del volto, la maschera rivela, per analogia, che il volto occulta la verità, che la sua superficie è scarsamente leggibile, per nulla trasparente, come invece abbiamo la pretesa, un po' ipocritamente, di immaginare, più per tranquillità nostra o per smania di controllo che per reale interesse verso quel che gli imperscrutabili, misteriosissimi altri provano e sono davvero.

Blexbolex & Stefanie Schilling, Reborn again.

Esiste materia più ambivalente del volto e delle sue rappresentazioni, falsificazioni, stilizzazioni? Esiste materia visiva più inesauribile dell'analisi delle fisionomie e dei moti che le alterano? Il volto umano è la prima cosa che un bambino impara a riconoscere. E per la nostra specie poche cose sono altrettanto attraenti, interessanti. Nulla come il volto è ambiguo e amabile al tempo stesso. A Oscar Wilde, che in materia era abbastanza ferrato, almeno a stare al suo Dorian Gray, si debbono alcuni illuminanti aforismi sulla relazione fra maschera e volto: "Ogni uomo mente, ma dategli una maschera e sarà sincero." "Una maschera ci dice più di un volto." "Il volto è una maschera che ci è concessa per celare i nostri pensieri." Insomma, se il volto è un banco di prova per chi si cimenta nella rappresentazione dell'umano, le sue infinite maschere aiutano a comprenderlo e a leggerlo. Sicuramente, un gioco impegnativo, ma irrinunciabile.

Pietro Longhi, Il rinoceronte, 1751. Ca' Rezzonico, Venezia.

Lunghe linee all'orizzonte

2012-02-21T09:18:00.001+01:00

Oggi vogliamo ricordare un’amica. Lo facciamo attraverso una delle bellissime storie che ha scritto e disegnato. Quella che abbiamo scelto si intitola Lunghe linee all’orizzonte, realizzata nel 2004 per un volumetto antologico dal titolo Svincoli, edito dai Cani. Nelle sue storie, Antonella aveva la sopraffina capacità di trasfondere se stessa in maniera inequivocabilmente autentica, oltre che risolta. Le sue storie sono la sua voce. La sua voce è il suo segno inconfondibile, bianco e nero, e una tonalità di parola, di racconto, altrettanto inconfondibile. Per questo leggere, oggi, queste pagine, dà un’impressione fortissima: quella di averla accanto.
Antonella ci manca, ci manca tantissimo, nonostante la sua presenza, luminosa e lieve, in questi due anni ci abbia costantemente accompagnati. Ringraziamo le persone che ci hanno permesso di pubblicare questa storia, e che con noi oggi la ricordano: Elena e Antonio Bertolami, Lorenzo Sartori.

Antonella Toffolo, Lunghe linee all'orizzonte ©.

Un piccolo mostro selvaggio (con il suo pigiamino con coda e orecchie)

2012-02-20T09:24:00.001+01:00

Noi Topipittori siamo abbastanza e dichiaratamente allergici ai libri a tema: per intendersi, i libri che Manuela Trinci aveva definito, non ricordiamo dove e quando, ma con indubbia efficacia, i libri-farmaco, quelli che si somministrano come pillole per risolvere i “problemi” dei bambini.

Siamo in realtà convinti che i libri a tema siano una soluzione facile per gli adulti che – loro sì – spesso hanno dei problemi con i problemi dei propri figli, e sperano di cavarsela a buon mercato con un “libro su...”.

Ma qualche volta ci caschiamo anche noi. Infatti Lison ha paura, il nuovo libro di Perrine Ledan e Lotte Bräuning, consegnato ieri al distributore e quindi in libreria a partire dalla metà della prossima settimana, è un libro sull'aver paura.

Lison, infatti, piccolo mostro selvaggio con il suo pigiamino con coda e orecchie, convive beatamente con quel vago malessere che si chiama paura. Ne ha quasi piacere. Lo usa come una chiave per aprire conversazioni e relazioni, scoprire chi le dà retta (il nonno, per esempio, che le parla senza remore della sua paura e del suo desiderio di morire) e chi no (il padre, per esempio, che risponde evasivamente, nascosto dietro la barriera di un quotidiano spalancato e che, probabilmente, il giorno dopo è corso spaventato in libreria a chiedere un libro sulla paura), sondare il suo microcosmo, così domestico eppure così vasto e variegato.

Quindi, se volete, un vero e proprio libro sulla paura. Un libro a tema. Che cosa sarà mai riuscito a smuoverci dalle nostre convinzioni, a sfidare anatemi («Tradimento! Anche voi, come tutti gli altri!») e sorrisetti («Predicare, predicano bene. Ma quando gli tocca di razzolare...»), a rinnegare una convinzione così radicata e fare il nostro “libro sulla paura”? Una cosa soprattutto: la qualità del testo. Perrine Ledan è una brillantissima scrittrice di storie per gli albi, come ha dimostrato con i quattro racconti de Il viaggio di Adele e altre storie del bosco (sempre illustrato da Lotte Bräuning e uscito nel 2009). I suoi testi hanno una un ritmo, una grazia e un'ironia che li rende, a nostro avviso, irresistibili. La nostra amica libraia Diletta, dopo aver letto Il viaggio di Adele, si è autoribattezzata "la Diladele", tanto la protagonista della storia, una scoiattola ipercinetica ed entusiasta, le è piaciuta. L'ironia di Perrine va a nozze con l'umorismo di Lotte. E noi siamo orgogliosi di avere tenuto a battesimo due autrici così brave. E di averle fatte incontrare.

Post scriptum: questa è una vera anteprima. Così anteprima che non abbiamo neppure aggiornato il sito. Quindi, il libro non andate a cercarlo lì. Almeno per ora.

Questa non guardatela, che sono venuta male.

2012-02-17T08:50:00.000+01:00

Pilly è nata nel 2005: femmina, da una coppia di femmine, cioè me, testi, e Francesca Bazzurro disegni, (alla faccia dei neoperbenisti che si accorgono dei libri esclusivamente per deprecarne l'esistenza). Ha avuto una vita breve, ma intensissima, come quella del mensile che l'ha tenuta a battesimo e per cui è stata espressamente creata, cioè Baribal, generato da un'altra femmina, a nome Maria Elisa Traldi. Con Francesca avevamo all'attivo già tre libri e alcune collaborazioni, per cui lavorammo felicemente alla creazione di questo personaggio. Così felicemente che adesso non ricordo bene come Pilly sia venuta fuori (giusto per dare ragione a Tolstoj: “Le famiglie felici sono tutte uguali; ogni famiglia infelice è infelice a modo proprio”). Sono abbastanza sicura che Pilly sia una sorellina di Angelica, la bambinetta di Zoo segreto.

E quasi certamente, a giudicare da come in generale sono nate le cose fra noi, credo sia stata Francesca prima a darle un corpo e in seguito io a darle un'anima. O, quanto meno, alcuni pensieri formulati in parole.
Appena fu in grado di parlare, Pilly chiamò: “Plato!”. Sentito il suo nome, Francesca lo disegnò e fu subito chiaro che si trattava di un gatto sapiente (con quel nome, era ovvio). Plato viene, per analogia, da Cato, abbreviazione di Catone, che è il mio gatto (avevo sognato di trovare un gatto e di battezzarlo Catone e una settimana dopo lo trovai davvero, così non potei esentarmi dal seguire le indicazioni del sogno). Aneddoti a parte, ci fu subito chiaro che ogni storia (che si sviluppava su una doppia pagina del formato tabloid del mensile), nasceva da un serrato confronto fra i due: il gatto e la bambina.

La seconda cosa che Pilly disse, fu, mostrando una fotografia: «Questa non guardatela, che sono venuta male.» Ogni storia cominciava così: con lei che diceva di essere venuta male in foto (molto, molto femminile). E poi mostrava un'altra foto. E un'altra, e un'altra ancora. Così il lettore, in modo immediato, scopriva pezzi del mondo e del carattere di Pilly: lei da piccola, lei a carnevale, al mare, in montagna, in campeggio... Dall'ultima “foto” della serie mostrata da Pilly, ogni volta partiva il racconto particolare di ogni puntata.

Quella che qui vedete è, appunto, la prima puntata di Pilly, apparsa sul primo numero di Baribal, nel novembre 2005. In questa puntata è la foto di Plato a dare il via alla storia, a introduzione dei due protagonisti e del rapporto amoroso che li lega. La puntata si chiude con Plato che vuole uscire di scena di soppiatto e con Pilly che lo branca e, prendendolo in braccio, lo costringe a salutare i lettori: «Plato, vieni qui, Adesso dobbiamo salutare. Dài, vieni qui. È finita la puntata. Mettiti in posa. Così, da bravo. Allora, ciao.» La cornice che li inquadra è la stessa della foto in apertura, quella venuta male. Dopo questa prima puntata, tutte quelle a seguire sono finite nello stesso modo, variazione più variazione meno.

Di Pilly abbiamo fatte sei puntate pubblicate, e mi sembra due o tre mai uscite: sei puntate semplicemente perché Baribal è durato sei numeri. La cosa bella è stata che con questa bambina un po' matta e con il suo gatto filosofo abbiamo vinto il Premio Comicon Micheluzzi 2006 per migliore sceneggiatura per serie umoristica, avendo la meglio su navigatissime star quali Topolino e Lupo Alberto. Non avendo mai fatto fumetti prima di Pilly, è stata una gran soddisfazione.

Pilly avrebbe avuto parecchie altre cose da dire, credo. E certamente avrebbe avuto bisogno di tempo per migliorare e crescere, come tutte le cose di questo mondo. Destino ha voluto che non ci sia stato, questo tempo, dato che poi il fumetto, cessato Baribal, non ha trovato un'altra casa. Peccato. Dopo Pilly, sia io sia Francesca abbiamo fatto molte altre cose. Pilly è stata un lampo, certo. Ma per noi, a tutt'oggi, è ancora piuttosto piacevole ricordarla.

Francesca Bazzurro, Giovanna Zoboli, Pilly ©.

Cincischio, non mi agito e vado lemme lemme/I

2012-02-16T09:35:00.001+01:00

Laboratorio Blu.

Nel corso di questi sette anni di vita da editori, spesso abbiamo riscontrato quanto le attività laboratoriali rivolte ai bambini siano un po' improvvisate, e quanto sotto la generica etichetta di laboratorio cadano generiche attività, sorta di intrattenimento fra l'animatore e la baby sitter. In realtà, quando si vede qualcuno che sa davvero lavorare con i bambini, ci si rende conto subito di quanto questo sia un vero e proprio mestiere. E molto serio anche, che richiede competenze ed esperienze specifiche, strutturate e non casuali: il fatto che i bambini si divertano nel corso di queste attività, non fa di chi le gestisce un clown o un fantasioso disoccupato dotato di manualità, come invece spesso si ha l'impressione che l'opinione comune ritenga.

Laboratorio Blu.

A questo proposito, l'attività di Spazio Bradipo ha attirato la mia attenzione. Spesso nella mia casella di posta elettronica trovo i suoi inviti. Ma che cos'è Bradipo? Per ora vi dico dove sta: Casalecchio di Reno. E poi che nel novembre 2011 ha compiuto un anno. E, infine, che è un luogo particolare perché ospita libri e giocattoli (rigorosamente selezionati), ma anche letturee, aboratori, mostre, presentazioni, incontri, proiezioni... Il resto lo saprete per bocca delle tre bradipe che l'hanno fondato: Noemi Bermani, Valentina Gamberini e Valentina Picelli. Molto gentilmente hanno risposto ad alcune nostre domande. Pubblichiamo oggi la prima parte dell'intervista. La seconda, giovedì prossimo.

Anzitutto vorrei che parlaste di questo nome affettuoso: Bradipo.

Il nome è preso a prestito da Adagio adagio dice il bradipo di Eric Carle. Al giaguaro, che lo accusa di essere pigro, risponde:

Cincischio, non mi agito e vado lemme lemme.
E sono pure flemmatico, disteso e imperturbabile,
placido e impassibile, mansueto, ciondolone,
serafico, posapiano: insomma … bradipesco!
Sono calmo e rilassato e amo vivere in pace.
Ma non sono affatto pigro!

È un invito a rallentare, a osservare, a prendere tempo ma anche a vedere le cose da un altro punto di vista (il bradipo guarda il mondo a testa in giù).
Un invito fatto ai bambini, ma soprattutto agli adulti che stanno insieme a loro, per sollecitarli a entrare in sintonia con i tempi rallentati dilatati e reiterativi dei bimbi. Nel nostro logo, realizzato da Flavia Ruotolo, il testo interrotto invita a cambiare ritmo di lettura; i colori e il font sobri prendono le distanze dalla comunicazione commerciale rivolta ai bambini, spesso “gridata” o forzatamente “buffa”.

Laboratorio Forme sottosopra: il punto di vista del bradipo.

Sul vostro sito si legge: Libreria per ragazzi e spazio per la cultura dell'infanzia. Cosa significa "cultura dell'infanzia" e oltre ai libri, cosa la veicola e promuove nel vostro spazio?

C'è una resistenza a parlare di cultura quando si tratta di progetti rivolti all'infanzia. Questo crea una barriera e una gerarchia pericolose tra il mondo dell'infanzia e la cultura con la C maiuscola, rivolta agli adulti. Senza nulla togliere alle specificità che le attività rivolte ai bambini richiedono, fare “cultura per l'infanzia” significa dare alle proposte per i bambini la continuità, l'attenzione, lo spessore e la dignità culturale che meritano, che si tratti di libri o di laboratori. La nostra sede non è grande. Per esigenze di spazio, e soprattutto per evitare un accumulo fine a se stesso, offriamo una selezione di libri e giocattoli di qualità, che si alternano sugli scaffali. Lo spazio del laboratorio è in continua trasformazione (aiutate da Flavia e dai suoi Bee tables). Per ogni proposta è pensato un allestimento specifico.

Laboratorio Esplorazioni sonore.

Che tipo di reazione suscitano le vostre scelte?

Un aneddoto: «Vorrei delle costruzioni per una bambina di due anni, mia nipote», mi chiede una signora di aspetto raffinato. Le mostro delle costruzioni in legno colorato, in legno naturale e in cartone: il tipo di giochi che si trovano da noi.
«Belle, ma lei ha già cominciato con Hallo Kitty, non so se può tornare indietro» replica, un po' mortificata. Nella cultura corrente per l’infanzia, la plastica colorata evidentemente è molto avanti. Per quella che è la nostra esperienza, invece, è possibile “tornare indietro”. I bambini sono affascinati dai libri, dai giocattoli e dai materiali di qualità. Ci mettono un attimo ad apprezzarli e utilizzarli.

Albi illustrati sempre in primo piano nelle attività laboratoriali,

Come mai avete deciso di aprire questo spazio e con quali propositi? Qual è la cosa più importante che, a vostro avviso, offrite ai bambini?

Due di noi sono state laboratoriste “nomadi” per molti anni, entrambe senza patente. Trolley pieni di libri e materiali per proporre laboratori in biblioteche e scuole. Il progetto Bradipo è la naturale conseguenza di questa esperienza, il desiderio di ospitare e accogliere i bambini in uno spazio nostro che vuole essere anche un punto di riferimento per bambini e genitori, e luogo di scambio per addetti ai lavori. Quel che caratterizza Bradipo, oltre, spero, alla qualità delle proposte, sono i tempi. Di un laboratorio diciamo sempre che sappiamo quando comincia, ma non quando finisce. Ogni bambino deve poter trovare il proprio tempo, giocare per dieci minuti o due ore. Può sembrare scontato, non lo è. I committenti (e spesso i genitori) sono abituati a ragionare in termini di ore, senza capire che il grosso del lavoro in un laboratorio sta nella progettazione e nella preparazione. È una pratica, però, che una volta sperimentata viene apprezzata.

Laboratorio Punti.

Quali sono le attività laboratoriali che organizzate personalmente? Potete descriverle brevemente?

I nostri laboratori, che chiamiamo slow lab per la questione tempo di cui sopra, toccano aree diverse: la polisensorialità, il visivo, il sonoro, la poesia, la natura. Spesso sono legati a libri e albi illustrati.
Per quanto si possa discutere sull'opportunità di registrare il Metodo Munari, la formazione rigorosa dell'associazione e la conoscenza del lavoro di Munari resta imprescindibile.
Un laboratorio è un dispositivo che schiude domande a cui non c'è una risposta sola. Il lavoro di progettazione e preparazione è fondamentale: scelta dei materiali, allestimento, modalità di avvio… Una volta partito il laboratorio, l'operatore passa sullo sfondo. Il suo compito è osservare, supportare, tenere le fila di ciò che accade, senza intervenire nel processo creativo, se non con suggerimenti tecnici. Infine, è importante il momento della restituzione in cui si osservano insieme le soluzioni emerse così che le idee circolino. Decisamente qualcosa di diverso dal fare un “lavoretto”, termine purtroppo ancora in uso.

Laboratorio Lupus in fabula.

In che modo conciliate le due anime: libraie e, diciamo, atelieriste, se il termine è corretto?

Atelieriste, laboratoriste... già il fatto che non ci sia un termine per definire il nostro lavoro è significativo. Impossibile fare le due cose contemporaneamente. Però noi bradipe siamo in tre e una di noi ha l'anima della libraia. Per quanto riguarda le altre due, l'esperienza ci ha portato a lavorare molto con i libri, a leggerli e rileggerli a, e con, i bambini, a sfogliarli, insomma, a conoscerli. Non so come ce la caveremmo in una grande libreria di catena, ma certo conosciamo uno per uno i libri che proponiamo.

(!. continua giovedì, 23 febbraio)

Disegni prodotti durante il laboratorio Polvere di scarabocchi.

Avventure/ 2: Dialogo semiserio fra Semiserie

2012-02-15T09:19:00.000+01:00

Micaela e Francesca, cioè le Semiserie, non le abbiamo mai incontrate. Però, un giorno, lo stesso giorno, due persone che stimiamo (Guido Scarabottolo e Ninamasina) ci hanno parlato di loro con entusiasmo.
Così ci siamo messi in punta, come bravi segugi, e abbiamo cominciato a guardare quello che facevano e a perseguitarle. È passato qualche tempo prima che accogliessero la nostra richiesta di parlare di chi sono, cosa fanno, come hanno deciso di fare quello che fanno eccetera. Loro ci hanno detto che le cose sono andate più o meno così:

Francesca: I tentativi d'approccio alle cose che non si sa cosa sono
somigliano ai granchi che non riescono a prendere
pizzicano spingendo la cosa più lontano
e passano la vita a fare questo
per dei periodi esausti e incapaci provano a smettere di volere
e rimangono immobili...

Ma poi…un miele come in quell'annata non se ne ebbe mai più
le persone estasiate cominciarono a sentirsi felici profondamente
e nel loro animo un'incredibile calma scese a distendere tutto
cos'era successo quell'anno a quelle api? un mistero
scesero direttamente dalla polvere di una stella
e la loro nostalgia del buio totale del cosmo che loro erano solite illuminare
gli fece far uscire da dentro il loro corpino quel liquido giallo ch'era pura essenza di stella

IO: Cerchiamo un terreno per fare un agriturismo e per la pet therapy e per i laboratori
oppure cerchiamo bandi per prendere i soldi poi cerchiamo lavori per disegnatori
poi smetto di cercare, faccio un quadro e dico ora lo vendo
poi invece voglio lavorare con un'associazione culturale
poi devo fare delle mostre, ma cerco lavoro
no! Basta andiamo a zappare l'orto poi no voglio fare un corto
anzi vado in africa no vado a lavorare in un associazione che salva i cani da slitta
no vado in bicicletta fino in Spagna no vado a Madrid in volo a vedere Bosch, lui mi salverà, si, mi metto in ginocchio davanti a quei mostri e capisco tutto, sicuro
devo stare calma
dobbiamo riuscire a prendere quei soldi per mettere gli asini
e poi dobbiamo essere rosa perchè tutti i bandi sono rosa
e se faccio un asino rosa ho più aiuti? Allora studieremo la chimica per fare asini rosa
e però ora che ci penso io volevo scrivere un libro
anzi no volevo stamparlo e rilegarlo a mano poi volevo un torchio per stampare tutto il giorno
Mi, come facciamo a .....

TU: Noi maledette disfattiste che dipingiamo sempre ad olio,
impastando continuamente sempre fino al grigio.
sempre grigio alla fine. Si usano i colori primari, si usano bene, con grande maestria,
accademia, università, preparazione, storia, coscienza e onestà, eppure, alla fine il grigio.
Potremmo vestirci con i nostri vestiti lunghi rossi, tu bucato dai tarli io nuovo con le spalline fine,
andare da zeus con un regalo e chiedergli se ci fa il favore di infilzarci col suo strale le tempie,
dovrebbe infilzare come uno spiedo tutte le idee, lasciarne fuori una o due.
Per sempre solo una o due.
Una per la gioventù e una per la vecchiaia.
La cura la cura la cura.
Abbiamo bisogno di un manager.

IO: io ho l'ansia spero mi passa
non so
sono i quadri che non mi danno pace
è quel mondo del silenzio
è la complicità totale che mi distrugge
il lupo mi mangerà nel bosco mentre cerco la strada di casa
e pensare che l'avevo disegnato io. vatti a fidare di disegnare un lupo!
dai scherzo, domani disegno una colomba che mi salva!
ora ho l'incertezza della sera che mi serve
si mi serve per fare sempre le cose vive
una tecnica umidiccia di vita

TU:
la tecnica umidiccia mi piace
bisogna disegnare i lupi la mattina e le colombe la sera
l'ultima colomba però deve essere un po’ cattivellla
così la notte sogni vivo, colorato, thriller
e la mattina i lupi vengono sempre meglio;
dopo pranzo si disegna un lama, la sua colla serve a fissare i disegni
verso le 7 un cinghiale
poi le colombe, con l'ultima cattivella
ecco il programma
bisogna rispettarlo
nel week end si disegnano solo pesci
il lunedì le piante
poi il resto
Ora faccio i padroni di tutti gli animali che hai disegnato tu.
Domani posso ricontattare il tipo dell'impresa di pompe funebri che mi ha telefonato per sgombrargli il locale
ha un sacco di materiale utile, un torchio, caratteri mobili, un po' d'inchiostro
Magari riesco ad arrivare prima degli zingari
Magari riusciamo a prendere tutto prima che vada tutto a ferro vecchio e che diventi un groviglio informe come la mia testa
Forse riesco a togliere peso al piombo e a farlo volare nella notte dentro il mio garage
e domani mattina quando mi sveglio trovo una foglia nel mio giardino da inchiostrare...
E venderemo tutto nei mercatini della prima domenica del mese e ovunque ci offrano un divano per dormire senza spese...

Che cos’è “Semiserie” ?
È un laboratorio tipografico di fantasia dove si creano immagini utilizzando vecchi macchinari tipografici come tirabozze, pedalina e caratteri mobili, mescolati alla computer grafica, al disegno e alla fotografia…dal piombo al bluetooth.
Il termine Semiserie nasce per indicare le piccole serie, le piccole quantità di invenzioni su carta realizzate da Francesca De Mai e Micaela Mariani, “Le due” hanno sviluppato delle tecniche di collaborazione creativa che superano l’individualismo che spesso caratterizza l’artista.
Alla base del progetto sta la creazione di un luogo, “studio/laboratorio”, dove le capacità artistiche di stampa e progettazione si mettono al servizio del committente; ma parte fondamentale del lavoro sono le autoproduzioni: tagli, incastri, cuciture, stampe e disegni originali, biglietti "mobili" e opere di cartotecnica realizzate appunto in piccole serie, in semiserie!

Per chi volesse saperne di più, la casa virtuale di Semiserie è qui.
Le foto sono di Greta Sorana.

I regni dell'immagine/ 4. Venezia a volo d'uccello

2012-02-14T09:06:00.001+01:00

La scorsa domenica, Giulia Mirandola mi ha mandato un messaggio che diceva: «Perché non scrivi un post sulla laguna ghiacciata?» Sotto al messaggio, c'era un link che rimandava a questa immagine che si intitola: La laguna ghiacciata alle Fondamenta nuove nel 1708.

Anonimo. La laguna ghiacciata alle Fondamenta nuove nel 1708, Querini Stampalia.

Così mi sono messa a pensarci su. E vi dico perché: l'immagine della laguna ghiacciata mi è familiare. Accanto a me ho una cartolina che la riproduce, acquistata da poco. Durante le vacanze di Natale, infatti, eravamo a Venezia (sempre dall'amica di cui abbiamo parlato qui). E abbiamo trascorso un bel pomeriggio al Museo Querini Stampalia. Ci ero già stata, ma le altre volte, chissà perché, non mi ero soffermata sulle vedute di Venezia: sia su questa, di anonimo, sia su quelle, celebri, di Gabriel Bella su ognuna delle quali trovate ampie spiegazioni nella web gallery del museo.

Gabriel Bella, La nuova Fiera della Sensa, 1779?, Querini Stampalia.

Gabriel Bella, Il corso nobile da San Stae alla Croce, 1779?, Querini Stampalia.

Invece, questa volta ci siamo trattenuti a lungo nella sala dedicata al Bella, e abbiamo guardato molto queste grandi tele brulicanti di personaggi, architetture, feste, scenette, campi e campielli, costumi, cerimonie, gesti, atmosfere diverse che raccontano in dettaglio la vita nella città di Venezia a metà del secolo diciottesimo. Sono quadri che richiedono una concentrazione attenta, minuziosa, paziente esattamente come la richiede leggere, per esempio, il capitolo Parigi a volo d'uccello, contenuto in Nôtre Dame de Paris di Victor Hugo, per rimanere in ambito di vedute urbane. Pagine dense e fitte di descrizioni (a mio avviso il più geniale e ammaliante, insuperato spot turistico mai concepito da mente umana: Parigi ne gode ancora oggi i benefici).

Gabriel Bella, L'antica fiera della Sensa, 1779?, Querini Stampalia.

Gabriel Bella, Battagliola coi bastoni al ponte di S. Fosca, 1779?, Querini Stampalia.

Per sbrogliare dal quadro d'insieme tutti i racconti contenuti in una veduta di Bella, per coglierli, distinguerli, portarli in superficie, ci vuole, infatti, un'ottica finissima, nel senso letterale del termine. Sono tele che insegnano a guardare, queste, e se guardare è un dato fisiologico, saper guardare è una capacità che si apprende e non è affatto scontata, ed è cruciale, nella vita di tutti i giorni e non solo in ambito estetico, come si potrebbe credere.
Ma quando Giulia mi ha chiesto di scrivere un post sulla Laguna ghiacciata di Anonimo, sulle prime mi sono detta: e cosa scrivo mai? Che fa freddo? E che ha fatto freddo anche in passato? Per esempio nel 1708; e, a quanto pare, anche molto più freddo di oggi, se la gente pattinava e faceva gli scivoloni fra le Fondamenta nuove e l'isola di San Michele.

Gabriel Bella, La congiura di Bajamonte Tiepolo, Querini Stampalia.

Gabriel Bella, Sposalizio alla Salute, 1779?, Querini Stampalia.

Che senso ha fare un post sul freddo? Basta andare su un sito di quotidiano e si trovano quintali di folcloristiche fotografie di automobili ghiacciate, strade sepolte dalla neve, alberi canditi, passanti imbaccuccati, spiagge solcate da fondisti... No, mi sono detta, non è il caso.
Poi, ho ripensato alla visita di quel pomeriggio alla Querini Stampalia. E, ricordando i quadri di Gabriel Bella, ho colto il senso dell'invito di Giulia. E così facendo, mi sono venuti in mente i nomi di due illustratori di fama mondiale: Piero Ventura e Mitsumasa Anno.

Il primo, italiano, nel 1975 ha pubblicato un libro diventato famoso e venduto in tutto il mondo dal titolo Il libro delle città (ripubblicato nel 2009 da Rizzoli). Un viaggio attraverso le più belle città del mondo colte a volo d'uccello. Anche in questo caso, un'osservazione dettagliata della realtà, realizzata con cura e precisione, che richiede al lettore un'analoga attenzione nella lettura dell'immagine che, dalla sua natura, primaria, di tavola documentaria, in un secondo momento e andando in profondità, si offre come seducente e inesauribile racconto visivo formicolante di storie parallele più o meno nascoste.

Alcune tavole del libro, ça va sans dire, sono dedicate proprio a Venezia. Città a cui peraltro Ventura ha dedicato un intero volume: Venezia, nascita di una città, edito nel 1987 da Fabbri.
Il secondo, giapponese, è autore di splendidi e famosissimi libri senza parole dedicati al racconto di spazi, tempi e luoghi (in Italia pubblicati da chi, se non dalla gloriosa Emme Edizioni?).

All'Italia e ai suoi paesaggi, colti a volo d'uccello, Anno ha dedicato un libro che ha proprio Venezia in copertina. Ecco, ho pensato che questi due illustratori sono in qualche modo eredi di questi vedutisti del passato, pittori di genere che mettevano la loro capacità pittorica al servizio del racconto della realtà, da una parte realizzando immagini documentarie, dall'altro vere e proprie pagine di letteratura. Se compito della letteratura è, infatti, "fornire un quadro dettagliato delle attività umane", queste pagine, invase dalle vite immaginarie, ma quanto mai autentiche, di personaggi piccoli e grandi, celebri o anonimi, ci mostrano che nell'economia della storia e della vita della città, tutte sono ugualmente importanti.

Mitsumasa Anno, Scorcio veneziano.

Pensando a tutto ciò, mi è poi venuto in mente un altro luogo, da poco visitato, ovvero la François Pinault Foundation, dedicata all'arte contemporanea, aperta nel 2009 ai bellissimi Magazzini del Sale, a Punta Dogana. Dopo averla vista, l'anno scorso, ne ho parlato con un illustratore, Alessandro Gottardo. Con lui riflettevo che a molta (noiosissima) arte contemporanea, preferisco decisamente il lavoro di un bravo illustratore. A stare a quel che si vede in questa collezione, infatti, ho seri dubbi riguardo all'interesse per la visione, il saper guardare, di molti artisti di oggi. A mio avviso, oggi, chi si occupa di questa cosa tanto importante, e adesso più che mai per la razza umana, che è vedere e raccontare la visione, e quindi guidare al suo apprendimento, è in prevalenza, illustratore.
Perciò, ecco, alla fine, guardando l'immagine della laguna ghiacciata, e provando gratitudine per l'anonimo pittore che l'ha dipinta, regalandomi a distanza di trecento anni un momento di pura gioia, interesse e divertimento, quello che volevo dire è: viva l'illustrazione e viva gli illustratori.

Un elefante nascosto nella felpa

2012-02-13T09:18:00.002+01:00

S. Bonanni, Style piccoli 2012. Foto Federico Miletto.

Alcuni giorni fa, abbiamo ricevuto questo messaggio da Silvia Bonanni, arcinota illustratrice lombarda, che diceva:

Gentilissimi tutti,
vi segnalo che è in edicola dal 19 gennaio il numero della rivista bimestrale Style Piccoli del Corriere Della Sera di gennaio/febbraio con un servizio di moda fatto con i miei assemblaggi di animali tutti griffati! Inoltre, oggi, lunedì 16 gennaio il servizio sarà in mostra al Coin di Milano in piazza 5 giornate dalle 17.30 alle 20, per poi essere esposto a Firenze durante la fiera Pitti Bimbo.

S. Bonanni, Style piccoli 2012. Foto Federico Miletto.

Il messaggio ci è parso

S. Bonanni, Style piccoli 2012. Foto Federico Miletto.

interessante: una tecnica di illustrazione passa dall'albo per bambini a un servizio fotografico di moda per poi diventare una mostra in un grande magazzino e infine essere ospitata in uno dei luoghi storici della moda italiana. Gli animali di Silvia, forse proprio grazie alla natura metamorfica che li contraddistingue, - quel loro prendere e perdere forma così rapidamente, grazie a piccoli gesti -, sono in grado di saltare steccati e confini e passare da un ambito all'altro senza difficoltà e stonature.
Così ci è venuta la curiosità di chiedere a Silvia, che conosciamo bene, anche perché condividiamo il medesimo gruppo milanese di lettura, qualcosa di questo lavoro. Perché riflettere sulle potenzialità dei linguaggi dell'illustrazione, e dei campi professionali in cui possono essere applicati con successo, a nostro avviso è importante. Silvia con grande disponibilità ha accettato di rispondere alle nostre domande.

Quando e come hai cominciato a sperimentare questa tecnica che chiami 'assemblaggio'?

Tutto è iniziato con un oroscopo, era il 2005 e io stavo cercando un modo originale di illustrare lo Zodiaco per propormi ad alcune riviste di moda. Per fortuna all'art director di Elle piacquero i miei nuovi assemblaggi fotografici. Qualche tempo dopo, Einaudi ragazzi mi chiese se avessi un mio progetto editoriale per bambini sugli animali e io proposi quello che poi divenne Zoo di cose, uscito nel 2008. Quando, nel 2010, Coccinelle mi affidò una commissione, non ebbi dubbi sullo stile da adottare e feci Zoo of Socks: quattro borse di velluto materiche con animali, realizzati con bottoni, cerniere, toppe e calze. Fino ad arrivare a poche settimane fa, quando, per Style piccoli, ho trasformato abiti e accessori in animali colorati.

Il servizio per Style piccoli in mostra al Coin di Milano.

In cosa consiste questa tecnica e per quale ragione ti piace?
Si tratta di assemblare provvisoriamente oggetti o capi di abbigliamento a cui do la forma di animali che poi faccio fotografare. Mi diverte giocare con la fantasia, dando nuova vita alle cose: un modo per guardare la realtà da un'altra prospettiva, provando anche a sensibilizzare chi guarda sui temi del riciclo. Ormai mi viene naturale guardare le cose con occhi diversi, vedo elefanti nascosti in felpe sportive o eleganti cigni in abiti di pizzo.

Silvia Bonanni, Zodiaco per Elle, 2005.

Ti sei ispirata a qualche esempio di artista o illustratore?
La mia ispirazione si richiama ai grandi artisti del Novecento, dal Duchamp dei ready made alle sculture di Picasso. Pensando all'Italia, non posso non citare Bruno Munari ed Enrico Baj: due punti di riferimento imprescindibili.

Silvia Bonanni, Zoo of Socks per Coccinelle, 2010.

Quando hai pensato di poter far sconfinare questa tecnica dalle pagine dei libri verso altri spazi e con altre funzioni?
In realtà non ho mai pensato davvero in questi termini. Mi vengono idee e dalle idee nascono i progetti, che all'inizio non so se potranno diventare immagini per libri, giocattoli, accessori di moda o chissà cos'altro. Il mio lavoro - se mi ci fai pensare - si muove sempre ai limiti tra una disciplina e un'altra; mi piace dare fiato alle idee, cercando una mia personale sintesi espressiva.

Hai cercato di sondare nuovi terreni di tua iniziativa o ti è stata fatta una richiesta precisa da parte di un committente?
Diciamo che sono strade che si incontrano.

In cosa è diverso illustrare per un albo illustrato e illustrare per un servizio fotografico?
La differenza principale sta in chi guarda, nel pubblico di riferimento. Una rivista femminile o di moda deve attirare l'attenzione su un prodotto, nell'albo illustrato l'intento è quello di stimolare la fantasia del bambino.

Silvia Bonanni, Zoo di cose, Einaudi, 2008. Foto di Ivan Serafino.

Qual è il compito dell'immagine nell'uno e nell'altro caso?
L'immagine illustra e racconta, e questo resta - almeno a mio avviso - il suo compito principale in entrambi i casi. Certo le storie raccontate per immagini nei due casi sono diverse: da un lato prodotti griffati, dall'altro filastrocche o storie per bambini.

Silvia Bonanni, Zoo di cose, Einaudi, 2008. Foto di Ivan Serafino.

In che modo hai realizzato gli assemblaggi per il servizio fotografico? Com'è il rapporto con il fotografo?
In un primo momento si scelgono - nel mio caso negli showroom dei marchi selezionati dalla rivista - i diversi capi. Scelti i materiali in base alle forme e ai colori, si passa alla fase creativa: quali animali fare, quali inquadrature, quale distribuzione delle figure nelle pagine.
Infine, nello studio fotografico, si riassemblano le scene, ricomponendo le pagine e spiegando al fotografo quali inquadrature si vogliono realizzare. Il fotografo, come ovvio, è fondamentale, sia per il contributo tecnico, sia per i consigli che può dare in corso di realizzazione del lavoro. L'immagine fotografica è la sintesi finale di un percorso a quattro mani: io animo i personaggi che il fotografo ferma in uno scatto.

Silvia Bonanni, laboratorio-spettacolo da Zoo di cose, Minimondi. Foto di Luca Ianelli

Questa esperienza ti ha insegnato qualcosa di nuovo sugli assemblaggi che potrebbe servirti anche per la tua attività di illustratrice?
Si tratta, senza dubbio, di una esperienza arricchente. Lavorare su più fronti è sempre uno stimolo.

Giocare coi vestiti e con le cose, creando altro con le loro forme, è un modalità creativa spontanea dei bambini. Hai mai fatto attività laboratoriali rivolte a loro con la tecnica dell'assemblaggio?
Sì, lo faccio da molti anni. In scuole e biblioteche propongo un laboratorio che si ispira direttamente al mio libro Zoo di cose. Per fiere e mostre del libro ho anche ideato uno spettacolo di mimo, dedicato ai bambini della fascia prescolare.

Silvia Bonanni, laboratorio da Zoo di cose, Castelfranco Veneto. Foto di Elia Zardo.

In che modo a tuo avviso un illustratore di albi può allargare il raggio d'azione dei suoi linguaggi e delle sue tecniche ad attività diverse? Tu come ti sei promossa? È stato un obiettivo difficile da ottenere?
Ciascuno deve compiere il suo percorso, seguendo il filo rosso della propria vena creativa. Promuovere il proprio lavoro non è facile; io ho bussato a tante porte, cercando di aprirmi diverse strade. Ora, per esempio, sto lavorando a nuovi progetti e penso a morbide sculture di calze o a brevi video in stop motion. Quanto ai traguardi, sono sempre difficili da raggiungere, anche se bisogna avere fiducia in se stessi e non demordere mai: come si legge in un mio collage per il libro Che cosa ci vuole, credo ancora che "Chi semina raccoglie".

Gianni Rodari, Silvia Bonanni, Che cosa ci vuole, Emme, 2006.

La scelta di fare delle scelte / II

2012-02-10T09:06:00.001+01:00

[La scorsa settimana abbiamo pubblicato La scelta di fare delle scelte/I, prima parte dell'intervista alle responsabili della Biblioteca di Montebelluna. Oggi, vi proponiamo il seguito, specificamente dedicato ai bambini e ai ragazzi, ai libri e alle attività dedicati loro.]

Quali attività avete messo in cantiere nel corso degli anni per affezionare e coinvolgere i lettori più piccoli, i ragazzi e i giovani?

Alla fine dell'anno scorso abbiamo fatto la classifica dei quindici libri più prestati nella nostra biblioteca. Il risultato è stato sorprendente: non solo i libri per ragazzi erano la maggioranza, ma occupavano anche i primi posti nella classifica. Riporto questo dato perché i testi che sono entrati nella top ten, eccetto i soliti Harry Potter e Twilight, rientrano tutti in progetti che abbiamo dedicato a bambini e ragazzi durante lo scorso anno.

Divertente è stato vedere un titolo come Dieci gallinelle affiancarsi a best seller come Mille splendidi soli. D'altro canto, i libri per piccolissimi sono al centro di molte attività, tra cui quelle legate a Nati per Leggere e a Merenda di storie, letture ad alta voce a cura dei nostri preziosi volontari.

Quella dei piccolissimi è una fascia importante, a cui dedichiamo impegno ed energie da quando abbiamo aperto una sezione a loro dedicata, nel 1995.
Risalendo nella classifica troviamo Gisella Pipistrella, un albo di Tony Ross. Ci tengo a sottolineare il fatto che sia un albo illustrato, perché questo tipo di libro ha decisamente un trattamento preferenziale nella nostra biblioteca, dove cerchiamo di proporre questo genere anche a ragazzi di medie e superiori, fino agli adulti. Certo con i piccoli e piccolissimi è più facile!

Vicino alla vetta troviamo La vita come viene, di Anne-Laure Bondoux, libro inserito nelle bibliografie Xanadu, il concorso a cura dell'Associazione Hamelin a cui collaboriamo sin dalla prima edizione; lavoriamo con Hamelin dal 1998 e questo ci ha dato un grosso aiuto nella costruzione della raccolta Giovani Adulti, una delle più utilizzate della biblioteca.
E, come vincitore assoluto (squillino le trombe!), abbiamo il libro A.S.S.A.S.S.I.N.A.T.I.O.N. di Guido Sgardoli. E di questo andiamo molto orgogliosi perché se è vero che abbiamo fatto un lavoro specifico di promozione sul libro e sul suo autore, che abbiamo avuto ospite in biblioteca, sono anche ben note le difficoltà che si incontrano nel lavorare con la fascia delle scuole medie!

Aggiungo che questo libro è stato anche inserito in Selected books , la selezione di novità per l'estate che produciamo ogni anno in collaborazione con BAM (Biblioteche Area Montebellunese), una rete di14 piccole biblioteche che hanno fatto della promozione della lettura il loro punto di forza. Annualmente vengono redatte due bibliografie, una dedicata alla scuola primaria e una alla scuola secondaria inferiore, distribuite e rese disponibili sul web a fine anno scolastico come proposte di letture estive e frutto di un lungo lavoro di selezione della produzione editoriale, che impegna i bibliotecari quasi tutto l'anno. A corredo ogni anno rinasce Estate in biblioteca, cartellone di laboratori e spettacoli per l'infanzia delle biblioteche del territorio.
A questo si aggiungono iniziative varie ed eventi, ma, come detto prima, per noi è la quotidianità che crea buone pratiche e buoni lettori.

Cosa ritenete fondamentale, e irrinunciabile, nella vostra relazione con i lettori più giovani?
«Li avevano trattati come dei ragazzini. Certo, loro erano dei ragazzini. Ma questo era l'errore che molti adulti commettevano: i ragazzini non bisognava mica trattarli da ragazzini, o peggio ancora da stupidi, come molti adulti li consideravano.» (Roddy Doyle, Dentro la foresta, Guanda, 2008)
Quello di cui siamo convinti, è che nel rapporto con i ragazzi l'aspetto fondamentale sia il rispetto. I nostri utenti non sono “bambini” o “ragazzini”, ma persone con necessità forti e definite, che affrontano problematiche anche molto serie (crescere non è forse una cosa difficilissima?). Quindi mai accondiscendenza, ma sempre dialogo diretto e alla pari. Molto spesso parlare con loro e ascoltarli, trovare il libro giusto, ma anche le parole giuste, è faticoso; a volte ci si trova davanti un muro, a volte si arriva allo scontro, altre volte c'è la necessità di mettersi in discussione. Ma poi parlare con i ragazzi, e parlare di libri, è la parte migliore del nostro lavoro!

Come scegliete i libri da proporre ai ragazzi? Di quali canali e strumenti vi servite?
Per la scelta dei libri da anni collaboriamo con la libreria di Vittorio Veneto Il Treno di Bogotà, che fa parte del Coordinamento delle librerie per ragazzi e che mensilmente ci segnala le novità più interessanti. Ci sono poi criteri di selezione diversi rispetto al tipo di materiale e alle età di riferimento: liste Npl, riviste specializzate e blog (es. Biblioragazzi) per bambini e ragazzi, mentre per i giovani adulti ci affidiamo molto alle bibliografie Xanadu. Irrinunciabili sono poi le incursioni in libreria, i suggerimenti degli utenti. In generale ci teniamo a puntare sulla qualità dei materiali che proponiamo, privilegiamo i piccoli editori e quelle collane che, secondo noi, si distinguono per accuratezza di lavoro editoriale e meno legati a logiche puramente commerciali. E poi abbiamo l'inesauribile pila di libri sul comodino, perché il modo migliore per selezionare un buon libro e proporlo a un ragazzo è sempre averlo letto!

Quanto contano le scelte del bibliotecario nella qualità del servizio, nel gradimento del pubblico e nella diffusione della lettura?
Sono le persone che fanno la differenza ed è il bibliotecario che fa la biblioteca. Noi abbiamo cercato di puntare sulla qualità, sia per quanto riguarda le raccolte, privilegiando coerenza e completezza piuttosto che l'acquisto di tutti gli ultimi best-seller, sia puntando sulla professionalità dei collaboratori esterni, fino al rapporto con gli utenti, secondo una precisa scelta di biblioteca amichevole. È una scelta che riteniamo premiante nel lungo periodo, dato che che mira a consolidare nel tempo il rapporto con l'utente e a sviluppare la biblioteca secondo un progetto biblioteconomico solido. Ma è allo stesso tempo una sfida difficile in questo momento in cui parlare di cultura e promozione della stessa sembra quasi uno spreco, da un punto di vista economico, rinforzato anche da quello che è un diffuso sentire. Per dirla con un motto: la scelta di fare delle scelte.

Come e quanto le amministrazioni, locali e non, sostengono la biblioteca e la sua funzione culturale e sociale?
Il periodo è per tutti difficilissimo, gli stanziamenti per la cultura e le biblioteche tendono a diminuire ovunque, con il rischio che il paziente lavoro di tanti anni - la conquista di nuovi utenti, la continuità della promozione della lettura - vada in parte perduto. Le amministrazioni più sensibili cercano almeno di tenere su questo fronte, in attesa di tempi migliori. Certo una prospettiva praticabile e vantaggiosa è quella della cooperazione, un terreno su cui abbiamo fatto anche qui qualche passo in avanti, anche se siamo ancora lontani dall'avere consolidato questa prassi dal punto di vista istituzionale, delle politiche regionali, del sostegno formale e sostanziale alle reti.

Il vostro è un territorio segnato da un diffuso e visibile benessere. Le imprese sono sensibili al vostro lavoro, lo riconoscono, lo supportano?
Le imprese sono in parte sensibili a forme di partnership con le istituzioni culturali pubbliche; lo sono in modo ancora troppo occasionale perché questo tipo di collaborazione sia incisiva nel flusso delle risorse di cui le biblioteche possono disporre. Ma qui come altrove esistono già esperienze in tal senso, forme di fidelizzazione degli utenti, di coinvolgimento di operatori economici che operano nel territorio. Un esempio per quanto ci riguarda è la BCM Card, un progetto che nel corso del 2011 ha coinvolto 22 aziende partner in azioni di promozione culturale. È importante però sottolineare il fatto che anche in questo caso aiuta la cooperazione, dando maggiore visibilità alle iniziative e ampiezza alla loro pubblicizzazione, così da risultare più appetibili per gli sponsor.

Mr. e Mrs. Darwin e uno strano marinaio

2012-02-09T09:11:00.000+01:00

Bernard Darwin era nipote del più celebre Charles. È passato alla storia come giornalista appassionato di golf: è stato un eccellente giocatore, presidente del circolo di St. Andrews (il più antico e prestigioso al mondo), giornalista specializzato e autore di alcuni libri sull'argomento la cui popolarità non è tramontata con gli anni.

Elinor Monsell, irlandese di nascita, era ritrattista e xilografa. Nel 1906, sposò Bernard Darwin e con lui ebbe due figli.

Per i due bambini, Bernard scrisse le avventure in rima di uno strano marinaio, Mr. Tootleoo, al quale Elinor fornì fattezze grassocce, una maglia a righe, un capello a cilindro e una treccia fermata da un bel nastro. Dopo la fine della Prima guerra mondiale, questa storiella trovò la via della pubblicazione. Per il Natale del 1925, The Nonesuch Press pubblicò The Tale of Mr. Tootleoo, con nuove illustrazioni a colori e una bella legatura.

Di questo libro sappiamo pochissimo, ma ci diverte leggerne la rima e seguire le surreali vicende del povero marinaio che si salva da un naufragio galleggiando seduto nel proprio cappello; incontra uno strano uccello, il Cockyolly; trova un'isola nell'oceano; scopre che l'isola è una balena; fa strani esperimenti di gravitazione; viene portato in salvo dal Cockyolly e dalla sua famiglia su un'isola, questa volta vera.

Lì giunto, si costruisce una capanna; mangia i pesci pescati dal Cockyolly, cucinandoli nel suo cappello; tenta di addomesticare l'uccello; fa ulteriori esperimenti di gravitazione; incontra uno gnomo; scopre che il Cockyolly è una bellissima dama in crinolina prigioniera di un incantesimo e che la sua famiglia è formata da tre maschi e tre femmine.

Come tutti i marinai, Tootleoo è suscettibile al fascino femminile e alle comodità, per cui decide di sposare la bella in crinolina, diventando padre dei sei marmocchi, con una cerimonia festosa e laica che non può che finire con un invito al lettore a brindare alla salute del signore e della signora Tootleoo. (Oggi, probabilmente, sarebbe considerato un censurabile invito all'alcolismo).

Ci sarà poi un seguito della storia, nel 1927. Ma noi non lo conosciamo.

Il libro è di una ricchezza inusitata per l'epoca: novanta pagine con ventidue tavole stampate a colori in litografia su una bella carta di cotone, con un'elegantissima ma piuttosto fragile legatura in carta color avana stampata a motivi rossi e decorata da un grande medaglione rosso in rilievo che simula la faccia di una moneta da sei scellini, sulla quale Tootleoo danza uno scatenato hornpipe.

La nostra copia ha qualche piccolo acciacco: in particolare, l'angolo basso della legatura è consumato. Ma per il resto è un ottimo esemplare, con l'interno molto fresco, a parte qualche segno di matita sui margini.

Chi se ne volesse procurare una copia, deve essere pronto a sborsare una cifra compresa fra le 60 e le 350 sterline, in funzione delle condizioni dell'esemplare. Buona caccia.

In questo mondo dell'invenzione: un'illustratrice in gita

2012-02-08T08:47:00.003+01:00

[di Giulia Zaffaroni]

L’antefatto: martedì 11 gennaio
«Vi interessa una gita a Venezia, con visita a una stamperia d'arte?», domanda il maestro alla classe.
La domanda è piuttosto scontata se posta agli allievi del corso Progettare libri: otto lezioni per acquisire strumenti teorici e pratici per la pubblicazione e l’autoproduzione. Immediatamente le nostre facce assumono quell'espressione sognante di chi è già a Venezia con occhi e cervello e in coro rispondiamo: «Sììììììì», come chi, appunto, il cervello l'ha già perso da qualche parte.

Il fatto: sabato 28 gennaio
Il treno parte alle 8.05 e io arrivo in anticipo. Il viaggio inizia come ogni gita di classe che si rispetti: seduta accanto all'amichetta del cuore, le chiacchiere procedono senza freni e nel tempo di una fermata di tram arriviamo a Venezia.

Risolto un problemino con le FS grazie a un efficacissimo Centro Assistenza Clienti (se capitate da quelle parti fateci un salto: sono così gentili da meritare anche solo un saluto), siamo pronti a partire all'inseguimento del nostro amato Capogita. Sì, perché un passo suo è lungo come 5 nostri e mentre lui procede fischiettando, noi gli corriamo appresso aggirando ostacoli, urlando: “scusi!”, scavalcando signore, bambini, cani, e cercando di non perderlo di vista tra viuzze e svolte a sinistra (non ho ancora capito come, ma quel giorno abbiamo girato sempre a sinistra. Magia).
La prima tappa è La Bottega del Caffè Dersut, dove per rigenerarci scopriamo un meraviglioso caffè-cioccolata-panna in un unico bicchierino. Niente male, quasi quasi sono pronta per riprendere la corsa. E così è, infatti, questa volta diretti al laboratorio tessile “Arras”: si tratta di due vetrine che mostrano splendidi tessuti e vestiti artigianali, prodotti da una cooperativa che coinvolge nel lavoro di tessitura persone con disabilità. Mille le foto che facciamo, un vero reportage, annanina si sbizzarrisce, come potete ammirare.

Comunque non è mica finita: si riparte imboccando la prima calle a sinistra, e si corre. Ma verso dove? Rapida panoramica sulle Zattere. Dovuto omaggio alle Fondamenta degli Incurabili e a Brodskji. Dietro-front. Avanti marsch! Arriviamo al Bottegon, dove ci imbottiamo di cicchetti veneziani sul muretto del canale. Poi si riparte. L'appuntamento alle 13.45, sotto alla statua con il naso di ferro, che sarebbe in Campo dei Mori, dall'altra parte della città. Come allo Zecchino d’oro di qualche anno fa: «Galoppa Pepito della pampa-pa. Galoppa, galoppa, galoppa-ppa.»

Alla Bottega del Tintoretto ci accolgono Florence Faval e Sara Vio e con loro ci inoltriamo nel laboratorio: la sensazione è davvero di immersione. Siamo in un luogo vissuto profondamente, sommerso da libri, disegni, inchiostri, strumenti vecchi, nuovi, inventati, aggeggi appesi, lettere tipografiche, carte.

Tutto parla una lingua irresistibile, ogni cosa racconta una storia, le mani di Florence e Sara si muovono con naturalezza, spinte dall'abitudine e da quella passione per l'arte e la creazione che mi conquista in un secondo.

Ci mostrano le tecniche di stampa: la stampa calcografica, (acquaforte e acquatinta) e la stampa alta (xilografia, linoleum, litografia). Girano tra noi opere varie, alcune bellissime altre no (ma mica mi deve piacere tutto), lastre già usate, strumenti da lavoro, libri autoprodotti. Sono affascinata dalla capacità di sperimentare senza timore, mi segno qualche spunto. Chissà mai che possa servirmi.

In tutto questo mondo dell'invenzione, dell'esperimento e dell'incertezza del risultato mi stupisce la disciplina che l'azione della stampa richiede: devi conoscere i materiali, gli effetti che vuoi ottenere, sapere a memoria le fasi del procedimento e la logica che ci sta dietro, essere pulito e tenere in ordine, firmare le tavole in un certo modo. È come se il procedimento creativo fosse qualcosa da rispettare, ha delle regole che, se conosci bene e ti sono familiari, ti liberano e ti portano dove neanche tu sai ancora di poter arrivare.
A un certo punto ci avviciniamo al tavolo da lavoro e al torchio: le mani di Florence ci mostrano come ottenere stampe con le tecniche di cui ci ha parlato poco prima.

Con pazienza, Florence ci rivela i trucchi del mestiere, gli effetti sulla carta, le regole e l'attenzione che servono per avere la certezza di “fare sul serio” e ottenere buoni risultati.
Dopo le spiegazioni decido di calmare la mia voglia di restare lì per sempre con un biscotto e qualche chiacchiera. Con Anna e Valentina cominciamo a organizzare una piccola spedizione estiva al corso di Florence. Chissà se ci riusciremo davvero. Riguardiamo i libri e le stampe, spiamo da vicino il risultato dei lavori al torchio.

Poi via di nuovo, attraverso calli e campielli, per raggiungere la sede delle Editions du Dromadaire, la piccola casa editrice che Florence gestisce e fa crescere.

Ci perdiamo tra i piccoli libri, i progetti e l'atelier sul soppalco: colori, libri stampati ancora da piegare, quadri e oggetti appesi, lastre incise, pezzi di linoleum lavorati, uno spazio creativo dove scovare nuove ispirazioni.

Non resisto e compro un libro: si apre in tre parti, ogni parte si apre a sua volta in orizzontale, si compone un unico disegno, mi piace. Lo appenderò a casa.
Fuori intanto è buio, salutiamo Florence e la sua arte: spero di rincontrarle. Grazie per la disponibilità immensa, per il tempo e la passione condivisi.

Prima di riprendere a correre, il Capogita ci concede una vera merenda invernale: budini di semolino con le uvette e cioccolata calda alla Pasticceria Rosa Salva. Poi, via, verso la stazione, verso Milano, Bologna, Brescia.
Il caldo del treno concilia il sonno. Il libro in borsa parlerà ancora per qualche giorno della bottega e del laboratorio, di Venezia, di stampe e di ispirazioni creative.

L’epilogo: oggi
Poi come sempre toccherà a me non perdere per strada l'incontro, saperlo raccontare, riuscire a ricordarlo quando avrò davanti un foglio vuoto, saperlo rivivere per concretizzare un'idea.

***
Il Capogita ringrazia Giulia Zaffaroni, allievi e ospiti per la pazienza, rimanda alla prossima gita, qui, e comunica ufficiosamente che in data da stabilire, nel mese di luglio 2012, si terrà il corso, in versione intensiva e a numero chiuso, a Roma. Chi vuole esserne informato, lasci un commento.

A titolo di cronaca si informa che alla gita erano presenti gli allievi:
Baladan Alicia
Banchini Maria Chiara
Carmisciano Isabella
Colombo Valentina
Cuneo Nina
Masini Anna
Psacharopulo Alessandra
Ricciardi Sara
Torelli Chiara
Zaffaroni Giulia

e gli accompagnatori:
Colombo Diletta
Dzierzawska Zozia
Farina Loredana
il signor Ricciardi
l'amica di Alicia

Tutte le foto sono © Anna Masini. Trovate il reportage completo qui.

Un bel signore alto e una biondina timida

2012-02-07T08:51:00.000+01:00

El globito rojo - Un cuento de Iela Mari from Guillermo Vázquez on Vimeo.

Ieri pomeriggio abbiamo ricevuto questo messaggio. Che ci ha ricordato una cosa importante. Ci è piaciuto molto, sia per la cosa importante sia per come è scritto sia per lo spirito che infonde. Che poi è quello di chi l'ha scritto, cioè Loredana Farina. Una cara amica, con cui condividiamo parecchie cose e che ci ha autorizzati a pubblicarlo...

Cari amici,

La Libreria dei Ragazzi di Milano compie quarant’anni.

Bisognerebbe che fossi capace di raccontarvi come andavano le cose prima…
All’inizio degli anni Settanta i più bei libri per bambini e ragazzi – quelli entrati a farne la storia – erano già stati pubblicati quasi tutti: Piccolo blu e piccolo giallo, Il palloncino rosso, Sembra questo sembra quello, Federico, Nella nebbia di Milano, Nel paese dei mostri selvaggi, Flicts. Favole al telefono è del 1962. Ma, se volevi vederli tutti insieme questi libri (quasi tutti Emme), non sapevi mai dove trovarli.
C’erano le cartolibrerie che – quando andava bene – li mescolavano a matite e penne biro: sapore di scuola. C’erano le librerie di varia che – quando andava bene – li esponevano una volta l’anno per Natale: sapore di regalo impacchettato.
L’immagine che si aveva degli autori di questi libri e degli addetti ai lavori era quello di maestre in pensione e zie zitelle.
Ma un bel giorno - nel 1972 - a Milano, in via Tommaso Grossi, apre la Libreria dei Ragazzi, con affaccio su una delle vie più centrali della città e fra le più frequentate, grazie alle fermate di numerosissime linee tranviarie.
Era piena zeppa solo di libri per bambini e ragazzi: tutti libri coloratissimi, esposti di piatto sugli scaffali. E i libri erano tanti, proprio tanti! Sia al pian terreno che nella saletta al sottopiano cui si accedeva scendendo una scala a U.
E là sotto ne succedevano di tutti i colori.
Venivano organizzate presentazioni, incontri e dibattiti di volta in volta sempre più affollati. E a parlare venivano chiamate persone esperte e con gli occhi intelligenti che dicevano cose importanti, che scaldavano il cuore, su libri, ragazzi, scuola, società. Niente maestre in pensione. Niente zie zitelle.
I pionieri di questo posto erano un bel signore alto e bruno, molto gentile ed estroverso.
E una biondina timida, ironica, colta e con un bel caratterino.
Un posto dove uscire dalla clandestinità e dove incontrarsi a parlare di libri per ragazzi.
Un posto dove si respirava un’aria speciale e dove noi che ci occupavamo (e ci occupiamo)
di quei libri ci accorgevamo con sempre maggiore chiarezza che il nostro è un mestiere
di cui essere fieri. Un mestiere bellissimo.

Loredana Farina

Diario tardivo di un'illustratrice a Parigi

2012-02-06T09:33:00.000+01:00

Quando abbiamo scoperto che sarebbe stata la prima volta di Anna a Parigi, non ci siamo lasciati scappare l'occasione. Così le abbiamo chiesto di raccontare la sua nuova esperienza per questo blog. Lei è partita (era la fine di novembre), è tornata (e non era ancora l'Immacolata), e ci ha pensato, ci ha pensato, ci ha pensato... ed ecco finalmente il suo post.

[di Anna Masini]

L'ingresso della mostra dedicata dal Salon al circo.

Caldo tropicale, luci abbaglianti, folla che spinge senza direzione, voci su voci e un gran baccano. Ecco, in sintesi, il Salon du Montreuil.
Ma si sa, l’apparenza inganna. In verità, le luci abbagliano per illuminare meglio, e la folla è in preda al delirio libresco. Quante mani che prendono, pigliano, sfogliano!
Il gran baccano, in fondo, lo fanno solo i ragazzini. L’adolescenza, come è noto, non perdona nessuno: culmine dell’assenza di grazia nella voce e nel movimento, eccola che accompagna folte schiere di bambini un po’ grandi, in scarpe da ginnastica e giaccone arrotolato sulla pancia. Ne basterebbero quattro, a briglia sciolta, per scatenare l’inferno. Riuscite a immaginare il frastuono di intere classi tutte insieme?
Sul caldo tropicale non c’è scusa che tenga: insopportabile per tutti.

Illustrazioni di Sara, La revanche du clown, Editions Thierry Magnier, 2011.

Dopo questi primi minuti spaventosi, i miei occhi iniziano a cercare dettagli appaganti. «Non siamo mica venuti qui per lamentarci», mi informano. Oh bene, nemmeno io. Diamoci da fare, allora.
Ed ecco che pile su pile di libri su libri hanno il loro effetto salvifico: in caso di folla estrema, ne apro uno a caso e mi sento subito al sicuro.

Illustrazioni di Gérard Lo Monaco, Magique circus tour, Helium 2011.

Comincio a orientarmi, e noto che la prima cosa speciale di questo Salon, che visito per la prima volta, è che ho l’impressione di riuscire a vedere tutto contemporaneamente.
Molti editori li conosco già grazie ai cataloghi, a internet, ai blog. A Bologna, evento che conosco un po’ meglio, la Francia è quasi tutta racchiusa in un quadrilatero inaccessibile. Qui invece, ogni stand è grande e ricco e i libri sono davvero tanti, alla portata di tutti, da guardare e da comprare.

Illustrazioni di Gérard Lo Monaco, Magique circus tour, Helium 2011.

Poi, una gran folla in coda. Quasi nessuno ha la cartellina e il pubblico è assai eterogeneo. Decisamente, non sono tutti illustratori. A Bologna una fila di fronte a uno stand significa che l’editore sta visionando portfoli... qui che succede?
Si chiamano dédicaces e sembrano essere imperdibili. Mi avvicino, leggo meglio... e se avessi la pazienza di aspettare dietro a tutte quelle schiene e quelle giacche e quelle gambe e quelle scarpe, potrei portarmi a casa un libro con il frontespizio dedicato e illustrato dai miei autori del cuore. Ci penserò a lungo, la tentazione è forte e so che potrebbe diventare incontenibile. Mi immagino tornare a casa con lo zaino grande come un palazzo, le ginocchia piegate sotto il suo peso e poi, una volta arrivata, rimirare bramosa il ricco bottino. Ma non cedo, e resisterò strenuamente anche nei giorni successivi.

Barnhominum, Emmanuelle Houdart.

Riavvolgo i pensieri e mi guardo intorno. Bambini, bambini, bambini: un’infinita distesa di bambini. Sono circondata! Tanti, tantissimi, sempre ben ordinati e a volte in doppia fila, decine di piccoletti seguono i maestri come i topolini seguirebbero il pifferaio magico. Fagottini con lo zainetto, in silenzio bisbigliato, subito stanchi, che si accovacciano sulle ginocchia e poi camminano mano nella mano, e sono così tanti e così bassi che, se mi distraggo un momento, ho paura di calpestarli.
Ritroverò altrove a Parigi quest’immagine dei bambini in fila sussurranti. Classi splendidamente miste in visita ai musei, sempre muniti di un foglio bianco per disegnare quello che vedono. E, ancora, fuori, per strada, a disegnare un monumento o una fontana. Certo è un dicembre mite. Ma l’inverno qui non sembra spaventare nessuno.

Barnhominum, Emmanuelle Houdart.

Un’altra peculiarità del Salon, e chi c’era lo sa, sono gli appuntamenti con i direttori artistici. Fissati prima di partire attraverso una rocambolesca richiesta via internet, sono stati una bella occasione per mostrare il mio lavoro agli editori prediletti e ambiti, in uno spazio riservato e dedicato a questi incontri. Però, il caldo e la confusione del piano inferiore, che ospita anche un bar, una mostra, una mini-biblioteca e uno spazio per gli incontri/laboratorio con le classi, sono terrificanti. Non c’è uno spazio per aspettare, si crea una fila disordinata, gli orari degli appuntamenti slittano quasi tutti e poi non si sente quando chiamano il tuo nome... tra illustratori ci scambiamo sguardi di sconforto e sorrisi stanchi.

Barnhominum, Emmanuelle Houdart.

E poi: circo! Il tema illustrato di quest’edizione. Un circo disegnato, ritagliato, costruito, interpretato da alcuni grandi illustratori francesi. E una mostra, allestita ad hoc per il Salon, che ha raccolto ed esposto queste opere in tutto il piano seminterrato, su uno sfondo nero, nerissimo dove i colori risaltavano forti e dove si muovevano contemporaneamente le fila di bambini, i visitatori adulti, gli illustratori stanchi, gli insegnanti, gli omoni della security e tutte quelle persone che in un modo o in un altro sono state la gente di Montreuil.
A distanza di un mese, ricordo ancora con vivida chiarezza i collage di Sara, i funamboli di Benoit Jacques e l’haute couture di Emmanuelle Houdart. Quest’ultima in particolare mi ha fortemente colpita: non ho mai amato molto le sue figure disegnate, ma le realizzazioni tessili che ho visto in mostra a Montreuil erano un vero incanto.

Barnhominum, Emmanuelle Houdart.

Mi fermerò a Parigi ancora qualche giorno.
Prima volta per tutto, in questo viaggio. Primo Salon, prime passeggiate nella Ville Lumière.
E per molti giorni, anche una volta tornata a Milano, mi sentirò sovraccarica di immagini e un po’ stregata.

Funambulibili, Benoît Jacques.

La scelta di fare delle scelte / I

2012-02-03T08:54:00.001+01:00

All'ingresso della Biblioteca di Montebelluna, su una grande vetrata, si legge una frase di Mario Rigoni Stern, tratta da Uomini, boschi e api:

Finalmente si può lavorare con la finestra aperta; ed anche stando al tavolo tra carte e libri, finalmente si può annusare l'odore della terra in amore e del letame sui prati. Solo che ora rimango incerto tra il lavoro qui nella mia stanza del sottotetto e quello che mi aspetta fuori. Comunicare con i miei lettori o ripulire attorno alla casa le scorie dell'inverno e bruciarle nel debbio?

Parole quanto mai adatte a un luogo in cui il verde, la luce, il paesaggio e l'azzurro fanno parte dello spazio che circonda i lettori e, insieme ai libri, alimenta di visioni il loro sguardo. Alla fine di ottobre sono stata invitata qui a parlare del mio lavoro di autrice e di editore a un corso d'aggiornamento regionale per bibliotecari sul tema del libro illustrato, a cura dell'Associazione Hamelin. È stata una mattinata interessante, con una partecipazione viva. A colpirmi non è stata solo la qualità umana dell'ambiente, ma anche quella fisica. La Biblioteca di Montebelluna festeggia a breve i primi dieci anni nella nuova sede. Un edificio grande, luminoso, aperto, con spazi ben articolati e pensati. Un luogo dove ci si sente a proprio agio nello stare e nel permanere, adatto alla concentrazione, alla lettura, al pensiero. Uno spazio essenziale, chiaro, nitido, bello.

Spesso mi colpisce la bellezza dei nuovi edifici progettati per accogliere i libri e i lettori, in Italia come in Europa: come se fra l'una e gli altri la relazione fosse imprescindibile. Lo spazio della lettura è uno spazio interiore ed esteriore: in entrambi i casi la dimensione estetica è fondamentale.
Di questa biblioteca mi hanno colpito i settori bambini, ragazzi e giovani adulti, a cui molte energie vengono riservate, dato che, come accade non solo qui, ma diffusamente, è in questi che si registrano gli utenti più numerosi e voraci. Lo dicono i numeri. Siccome le biblioteche ci interessano e pensiamo valga la pena farle conoscere per il lavoro che fanno, spesso inimmaginabile per qualità e mole, vi proponiamo questa intervista, a cui hanno risposto Alda Resta, direttrice della biblioteca; Elisa Barbieri, responsabile della promozione adulti; e Martina Pozzebon, che si occupa della sezione ragazzi.

Di questa architettura, che si deve a Toni Follina, colpisce il linguaggio contemporaneo, la capacità di entrare in relazione con il paesaggio. In che misura chi effettivamente la vive, i bibliotecari, ha collaborato alla sua realizzazione?
Dalla data in cui l'architetto Follina riceve l'incarico a quella che segna la chiusura dei lavori e la consegna dell'edificio, trascorrono cinque anni. È un tempo in cui forza costruttrice e pensiero biblioteconomico si incontrano, si confrontano, crescono insieme nella definizione di spazi e funzioni. Sono anni di trasfusione di conoscenze, ma anche di sintesi soprattutto con riferimento agli esempi che si è deciso di prendere a modello per collocare il nostro edificio dentro alla cifra di un linguaggio contemporaneo.
Non sono mancate le visite ad altre biblioteche, già buoni esempi di moderno, fatte da architetto e bibliotecari insieme e questi sono stati dei passaggi fondamentali che hanno permesso di delineare la fisionomia della nuova biblioteca, coniugando il virtuosismo architettonico con la necessità di poter disporre di spazi funzionali, modulari, adatti a un organismo in crescita.

Quanto è importante la partecipazione dei bibliotecari al progetto di una biblioteca? E in cosa è consistito primariamente il vostro contributo?
Il contributo dei bibliotecari è stato fondamentale e imprescindibile. Ogni biblioteca getta le sue fondamenta, anche fisiche, su un progetto biblioteconomico che guida tutte le fasi della progettazione e della realizzazione. Questo progetto non può che essere redatto dai bibliotecari che non solo conoscono la materia, ma soprattutto conoscono il tipo di utenza e le sue esigenze e tracciano in questo progetto anche le prospettive future che una nuova biblioteca può e deve essere in grado di compiere e mantenere. Il progetto è un patto tra il bibliotecario e la cittadinanza, passa attraverso l'architettura e si concretizza nella realizzazione di servizi ad hoc e nella scelta di come erogarli.

In che modo la comunità ha accolto la nuova biblioteca e come è cambiata la sua percezione rispetto alla vecchia sede?
La biblioteca nuova è stata accolta con molto favore; in termini numerici l'utenza è triplicata rispetto alla vecchia sede. Il dato più rilevante è che Montebelluna ha una visibilità sovracomunale e provinciale; infatti quasi il 60 % degli iscritti proviene da fuori comune, anche da aree non contigue. Considerando che quasi tutti i comuni in provincia hanno una loro biblioteca questa percentuale molto alta di presenze da fuori Montebelluna è sintomo di un sicuro apprezzamento per la struttura, ma anche, speriamo, per il lavoro quotidiano che punta alla qualità del servizio.

Chi usa e frequenta oggi la biblioteca? E in che modo? È cambiato questo, rispetto al passato?
A dieci anni dall'apertura della nuova biblioteca, capita spesso di incrociare i volti e di accogliere le richieste degli utenti di allora, di quelli che, ancora bambini, frequentavano gli spazi della vecchia sede. Quegli utenti, circa il 22% sul totale, hanno oggi esigenze diversissime, utilizzano le aree cablate per connettersi wi-fi, sono interessati alle riviste di settore, occupano la sala di consultazione per studiare, si rivolgono al personale per richiedere prestiti interbibliotecari. Accanto a loro ci sono i frequentatori adulti, quelli che, statisticamente, costituiscono il 61% degli utenti; tra questi ritroviamo i frequentatori affezionati che potremmo definire quotidiani, legati oltre al prestito anche alla lettura in sede, in particolare di giornali e riviste; si tratta di persone che nutrono oramai uno specifico attaccamento fisico al luogo e che in biblioteca si sentono a casa. Di certo, rispetto al passato, l'utenza di oggi è molto più ampia e differenziata, ma è anche maggiormente variabile: la fidelizzazione e l'attenzione all'utente si confermano azioni efficaci complessivamente, ma è altresì vero che l'utente è portato a muoversi sempre più spesso in autonomia, passando a volte da una biblioteca all'altra, favorito da un catalogo unico provinciale e da un lavoro di rete che comunica attività coordinate e condivise.

Anche da voi sono i bambini e i ragazzi a detenere il primato della maggiore quantità di prestiti. A cosa attribuite questo dato? E come avete ottenuto, nello specifico, questo successo?
La Biblioteca di Montebelluna ha sempre posto un'attenzione particolare alla fascia dei bambini e dei ragazzi; già nella vecchia sede questi servizi avevano spazi dedicati e la nuova biblioteca ha permesso di ampliarne dimensioni e possibilità. Da almeno 15 anni abbiamo attivato un progetto lettura organico o continuativo dedicato alle scuole, che tocca tutte le fasce d'età, dall'infanzia agli istituti superiori; per tutti gli utenti della biblioteca, con un occhio di riguardo alle famiglie, abbiamo organizzato anche eventi e costantemente proponiamo cicli di letture ad alta voce, teatro per ragazzi e laboratori di giochi in scatola per l'estate; parallelamente alle attività per ragazzi ci sono le iniziative per adulti, durante tutto l'anno, che vanno dalla presentazione di libri alle maratone di lettura.
Ma l'attenzione maggiore è alla quotidianità, dal tipo di esposizione dei libri alla relazione personale con i ragazzi e ovviamente anche con gli adulti; la qualità del servizio sta nella possibilità che abbiamo di proporre la biblioteca e i libri mettendo sempre al centro le richieste dell'utente, specie se si tratta dei più giovani.
È come dire che la chiave di tutto sta nel coltivare giorno per giorno la nostra biblioteca e con essa i nostri lettori. Ci piace pensare che sia per questo che la biblioteca nel 2006 ha vinto il Premio Andersen per la promozione.
(Fine prima parte. Seconda parte, venerdì, 10 febbraio)

Questo gioco  con regole ignote

2012-02-02T08:44:00.000+01:00

 Disattenzione

Ieri mi sono comportata male nel cosmo. 
Ho passato tutto il giorno senza fare  domande,
senza stupirmi di niente.

Ho svolto attività quotidiane,
come se ciò fosse tutto il dovuto.

Inspirazione, espirazione, un passo dopo  l’altro, incombenze, 
ma senza un pensiero che andasse più in là 
dell’uscire di casa e del tornarmene a casa.
Il mondo avrebbe potuto essere preso per un mondo folle,
e io l’ho preso solo per uso ordinario.

Nessun come e perché
- e da dove è saltato fuori uno così
- e a che gli servono tanti dettagli in movimento.

Ero come un chiodo piantato troppo in superficie nel muro 
oppure (e qui un paragone che mi è mancato).

Uno dopo l’altro avvenivano cambiamenti
perfino nell’ambito ristretto d’un batter d’occhio.

Su un tavolo più giovane da una mano d’un giorno più giovane
il pane di ieri era tagliato diversamente.
Le nuvole erano come non mai e la pioggia era come non mai,
poiché dopotutto cadeva con gocce diverse.
La terra girava intorno al proprio asse, 
ma già in uno spazio lasciato per sempre.
È durato 24 ore buone.
1440 minuti di occasioni.
86.400 secondi in visione.

Il savoir-vivre cosmico, 
benché taccia sul nostro conto,
tuttavia esige qualcosa da noi: 
un po’ di attenzione, qualche frase di Pascal 
e una partecipazione stupita a questo gioco
con regole ignote.

Wislawa Szymborska (2 luglio 1923 - 1 febbraio 2012)

(da Due punti, in La gioia di scrivere. Tutte le poesie (1945-2009), Adelphi 2009. Trad. Pietro Marchesani)

White rabbits! White rabbits!

2012-02-01T08:59:00.000+01:00

[di Valentina Colombo]

Ogni paese ha le sue usanze. Margherita Emo, nel suo Conigli bianchi, uscito qualche mese fa nella collana Gli anni in tasca, ne scova una veramente bizzarra. Ogni primo del mese, appena si aprono gli occhi, la mattina, ancora prima di dire «Buongiorno», bisogna recitare con quanta più convinzione possibile la formula «White rabbits!». Un portafortuna infallibile, a detta di Bridget, la tata neozelandese di Margherita. Chissà se è consapevole di aver lasciato un segno indelebile nella memoria di Margherita. Comunque, accogliamo con gioia questo rituale e lo facciamo nostro, oggi, primo di febbraio, per cominciare bene il mese.
E siccome febbraio è il mese del carnevale e qui si parla di travestimenti, Margherita ci fornisce materiale anche su questo. E se papà e mamma fossero in realtà due giganti, che però mostrano il loro vero aspetto solo quando sono soli? E se di notte, quando meno te lo aspetti, arriva Dracula? Per ognuna di queste paure, non c'è soluzione migliore che una combattiva e tenace fuga, in cucina per uno spuntino notturno o nel letto di mamma e papà. O almeno così fa Margherita per un po' di tempo. Ma troppe cose accadono perché lei, da bambina attiva e testarda, si faccia intimidire. Ce le racconta una per una, con una colonna sonora che scoprirete scorrendo le pagine di questa autobiografia.
L'infanzia di Margherita trascorre tra Londra e Castelfranco Veneto. Tra il Royal Ballet della capitale inglese e le campagne del nord Italia.
In Inghilterra la musica classica dei teatri si contrappone a quella dell'underground, dei suonatori di strada. Covent Garden contro metropolitana.

Margherita muove i primi passi di ballo sfrenato, un po' fuori controllo, in preda alle risate di chi scopre qualcosa di molto divertente e ridicolo al tempo stesso, grazie a Lorraine, altra tata (ma improvvisata, perché odia i bambini) sulle note dei Blues Brothers.

Dal ballo, all'ascolto vero e proprio: per me le canzoni sono state una miniera di sapere in fatto di parolacce. Anche per Margherita sembra valere la stessa regola. Sul repertorio, ammetto, abbiamo avuto differenti maestri. Ma in comune c'era il mangianastri portatile, quello con le pile grosse, con il volume al massimo e le voci che diventano rauche dallo sforzo, come se urlare quelle parole proibite avesse un che di catartico. E qui ci si scatena con la cattiva ragazza Gianna Nannini.

Come poi questo intenso vocabolario venga usato dalla nostra eroina, lo scoprirete leggendo. Non vi stupirà e, se ci pensate attentamente, potete intuirlo.
L'adolescenza è un periodo di ritornelli. Rimproveri ripetuti, litigate che si concludono con la stessa frase, Don't call me darling. Non chiamarmi tesoro. Questa è la personale canzone di Margherita, cantata, urlata ed espressa a suon di sguardi a sua madre per un bel pezzo.
Con la nascita della associazione culturale Nessundorma, fondata dal padre, Margherita è circondata di melodie, di voci, di sguardi. È il pieno turbinio dell'adolescenza, il vero centro del libro. La famiglia Emo (onore a loro) organizza uno degli eventi culturali più all'avanguardia in territorio veneto, un festival di cabaret e musica con nomi pazzeschi: Skiantos, Casino Royal, Elio e le Storie tese, Franco Battiato, e tra i comici Diego Abatantuono, Enzo Iacchetti, Gaspare e Zuzzurro. Arriva anche la prima cotta, quella che ti fa sentire le farfalle nello stomaco, scatena pensieri nuovi e ti fa scoprire l'amore, sopra ogni cosa. Anche se Margherita non capisce subito come mai questa Bocca di Rosa piaccia così tanto a tutti.

Il fatto è che Margherita vorrebbe solo piacere a lui, a Bob Rock. Ma Bob Rock guarda Mari. E Mari...

È innegabile che i suoni e le canzoni creino spesso dei momenti magici, unici, che chissà per quale ragione penetrano ancora più profondamente sotto la nostra pelle e rimangono lì, e si fanno ricordi, emozioni, visioni sfocate di istanti. L'importanza di ascoltare ciò che accade intorno a noi è anche questo: percepire la colonna sonora della nostra vita. Che non è fatta di sole canzoni, ma anche di voci, di cantilene, di ritornelli cantati ogni mattina, il primo del mese. Non dimenticare queste note è forse una delle cose più difficili di diventare grandi. Come scrive Margherita:

Pensare che tutto ciò che contava per me sarebbe sbiadito, che il sistema stesso delle mie percezioni sarebbe cambiato, si sarebbe attutito, equivaleva alla morte ed era pertanto inconcepibile.

Visitando la Fil, a Guadalajara. III parte.

2012-01-31T09:17:00.000+01:00

[di Monica Monachesi]

[Terza e ultima parte del report sulla FIL, la Fiera del Libro di Guadalajara, di Monica Monachesi, consulente artistico, curatrice del catalogo e coordinatrice di Le Immagini della Fantasia, Mostra Internazionale d'Illustrazione per l'Infanzia di Sarmede. La prima parte, qui. E la seconda, qui. A Monica un grazie grande come una casa.]

Manuel Monroy e la Volkswagen Beetle in versione Huichol.

Mi resta un giorno e mezzo da trascorrere a Guadalajara. Mi dedico agli appuntamenti per promuovere Le immagini della fantasia, ma anche alle curiosità e a una rapida visita della città.
Faccio colazione con Manuel Monroy: finalmente lo incontro! Conoscevo da tempo il suo lavoro (Un hombre de mar è stato esposto a Le immagini della fantasia 23), e averlo con me per l’intera mattinata è molto piacevole. Grazie Manuel! Facciamo una lunga chiacchierata sulla cultura messicana, molto interessante anche perché Manuel è davvero un pozzo di scienza.

Jorge Lujan

Manuel scrive la parola huichol sul mio taccuino: vocho + huichol = vochol ovvero una Volkswagen Beetle decorata con perline nella tradizione Huichol del Messico centro-orientale. Si tratta di un progetto del Museo di Arte Popolare di Città del Messico per supportare l’artigianato messicano. Se vi interessa, date un'occhiata qui.
Mentre sorseggiamo il caffè passa lo scrittore Jorge Lujan con in mano il suo libro BrunhildaAnd The Ring , illustrato da Linda Wolfsgruber, nostra ospite d’onore dell’anno.

El Hombrecito


Con Manuel e Ana Laura Delgado

Da Nostra Ediciones ammiriamo un bel libro a fisarmonica di Manuel, El Hombrecito, e tanti altri titoli interessanti. Alle Ediciones El Naranjo ancora tanti bei volumi e ho il piacere di conoscere Ana Laura Delgado.

E qui una carrellata di oggetti messicani che mi sono piaciuti, girovagando per la FIL. La morte, come vedete, è un soggetto molto presente in tutta l’arte messicana di ogni epoca.

Arbol de la Muerte

Mariachi.

Nella città di Guadalajara, dal 1994, ha luogo ogni anno l’Incontro Internazionale di Mariachi e Charrería, con competizioni e concerti, e arrivano gruppi di mariachi non solo dall’America latina, ma anche da paesi quali Australia, Belgio, Croazia, Finlandia, Francia, Giappone, Italia, Serbia, Spagna e Stati Uniti.

Vassoio rayado di Olinalo.

Olinala (Guerrero) è il centro di produzione più importante di oggetti laccati meravigliosi come questo vassoio rayado, cioè decorato facendo affiorare lo strato sottostante di colore tramite il graffito.

La vergine di Guadalupe l’icona più significativa della cultura messicana.

Piccoli musicanti di Oaxaca.

E ora, per finire, vi porto a Guadalajara! L’idea è in realtà del mio amico Enrique Torralba che organizza il tutto e decide di accompagnarmi in città per un pranzetto messicano. La meta è La Chata dove si mangia molto bene. Abbiamo tre ore e mezza, compresi gli spostamenti in taxi, che vi assicuro, possono essere un’avventura (bisogna chiedere prima il costo del tragitto e sperare di avere un taxista che sappia orientarsi, e questo non è per nulla scontato!). Scendiamo dal taxi in Plaza Guadalajara.

Plaza Guadalajara.

Il centro storico è dominato dalla Catedral de la Asunción de María Santísima, una delle più interessanti dell’intero Messico, con le sue guglie gemelle e la grande cupola dal colore giallo.
La chiesa è affiancata nei suoi quattro lati da altrettante piazze, molto grandi, ricche di alberi, che ne aumentano l’impatto scenografico nel cuore cittadino, formando una croce attorno a lei.

Catedral de la Asunción de María Santísima.

Purtroppo non ho visto tutto, e non ho visitato l’interno, diciamo che mentre cercavamo la strada per il ristorante mi affannavo a fotografare e a capire dove mi trovavo...

Plaza de la Liberación.

Palacio del Gobierno.

Camminiamo verso Plaza de Armas, dove si trova il Palacio del Gobierno e un bel gazebo in metallo Art Nouveau. Sono rimasta incuriosita dagli strumenti di un mestiere che da noi si vede ormai poco, ma che qui è molto diffuso. Anzi, mi sono poi accorta anche all’interno della FIL c’erano spazi appositi, come a Plaza de la Liberación.

Enrique Torralba

Strumenti del mestiere...

... di pulisciscarpe.

Scarpe pulite anche alla FIL.

Natività di sabbia.

Questa Natività modellata con la sabbia riassume la strana sensazione (tutta nostrana) di un Natale festeggiato al caldo e sotto il sole.
Ci avviciniamo a vie molto colorate e con molta gente. Addocchio abiti da cerimonia che farebbero impazzire molte bambine... almeno garantisco per la mia.

Facciamo un salto al Mercado Libertad, San Juan de Dios, qui ci sono architetture meravigliose e sorprese sui tetti in Plaza de los Mariachis.

Architettura in San Juan de Dios.

Sorprese sui tetti in Plaza de los Mariachis.

Vista della Plaza.

Entriamo nel mercato!

Ora l’appetito è aumentato: andiamo a mangiare a La Chata. Anche qui la cucina è in primo piano e le cuoche sono velocissime, i camerieri sono tutti uomini e girano con una retina nera sui capelli, tipo quella per la brillantina, però ve la dovete immaginare. Il cibo è tutto squisito!

Le indefesse cuoche de La Chata.

Guillermo De Gante, Maria De Los Ángeles C. Alegre Schettin ed Enrique

Al momento di partire, penso davvero che sono state giornate fantastiche!

Ed ecco i coordinatori della FIL di Guadalajara: da sinistra a destra, in alto: Rubén Padilla, Fernanda Villava and Karina Ángele; da sinistra a destra, in basso: Armando Montes de Santiago, Leticia Cortés, Verónica Mendoza and Alicia González.

Voglio ringraziare la FIL per aver voluto la presenza e la collaborazione di Le immagini della fantasia, gli organizzatori del II Catalogo Iberoamericano di Illustrazione, Pencil Ilustradores, e tutti gli amici che ho trovato là, che mi hanno accolto tra di loro con molto calore.

Ecco, il mio racconto si ferma qui. Anzi, se avete ancora tempo per poche immagini, questo è ciò che è accaduto a casa mia, mentre mi pensavano in Messico... Un bel viaggio sollecita la fantasia anche di chi resta a casa.

Topi in campagna, con giveaway

2012-01-30T09:10:00.000+01:00

La campagna in questione, però, non è quella dei prati e, qui in zona lombarda, delle marcite, del riso, delle rane in estate e delle nebbie d’inverno
No, è quella, di tutt'altro genere e molto poco agreste, pubblicitaria.
Sebbene i Topi non abbiano mai fatto un investimento in spazi pubblicitari (abitudine che, credo, si protrarrà ancora per qualche tempo, a giudicare da quello che ci prepara lo scenario internazionale), ci fu, ebbene sì, almeno un’occasione in cui si spinsero, audaci, a progettare una campagna pubblicitaria. E per la buona ragione che un neonatissimo (nel 2005), mensile per bambini e ragazzi che si chiamava Baribal, a fronte della consulenza prestata dai Topi su alcune questioni inerenti alla rivista in fase di progettazione, ricambiò offrendo loro gratuitamente uno spazio pubblicitario.

Proposta 2

Garruli e festanti, i Topi si rivolsero subito a uno dei loro angeli custodi, Guido Scarabottolo (il quale dalla nascita di detti topi sciagurati si occupa dei loro cataloghi, segnalibri, cartoline ecc. ecc.), chiedendogli di inventarsi qualcosa per questa benedetta pagina formato tabloid, e suggerendogli, come ce ne fosse bisogno, di riciclare qualcosa del prodigioso materiale già messo a punto per altri scopi.
Pensa che ti ripensa, il nostro Scarabottolo, che oltre che bravissimo è efficientissimo, ci mandò, ratto, tre proposte.
La Proposta 1, che riutilizzava testi e immagini di alcuni segnalibri da noi dati alle stampe e distribuiti gratuitamente come gadget per la gioia dei nostri lettori.
La Proposta 2, che riutilizzava una copertina del nostro catalogo, per la precisione quello del 2005.
La Proposta 3, creata ad hoc a partire dai testi dei segnalibri.

Proposta 3

E, adesso, rullino i tamburi per il grande concorso:

quale delle tre, alla fine, è stata utilizzata per la campagna?

Il primo che dà la risposta giusta avrà in regalo una copia dello scarabottoliano Di notte sulla strada di casa. Un albo che a breve diventerà una rarità e rischierete di trovare su eBay a prezzi d’affezione.
Noi, intanto, mentre voi cominciate a fare andare il cervello, ne approfittiamo per salutare Maria Elisa Traldi, che ha inventato Baribal e si è gettata nella sua creazione con intrepida generosità. È stato bello lavorare e stare in sua compagnia. Poi un giorno ne riparleremo.

Proposta 1

Il prodigioso designer con volto infantile e mani d’oro

2012-01-27T08:55:00.005+01:00

[di Marta Sironi]

Ricorre oggi il ventennale della prematura morte del grafico e illustratore John Alcorn (1935-1992) e volendolo ricordare si ricorre a uno dei suoi tanti lavori floreali: un biglietto d’auguri d’inizio anno progettato per l’agenzia pubblicitaria Promos. La presenza al centro di un involucro con i semi del fiore (mimetizzato dietro la sagoma del fiore rosa al centro) carica l’immaginario edenico dell’illustrazione di una sua ideale prospettiva terrestre.

Biglietto di auguri per l’agenzia pubblicitaria Promos.

Un seme per la valorizzazione del lavoro di John Alcorn è stato di recente posto dal Centro Apice (Archivi della Parola, dell’Immagine e della Comunicazione Editoriale) dell’Università degli Studi di Milano – dove dall’autunno 2010 si trova il suo archivio – dedicandogli le due giornate dell’annuale convegno, Testi, forme e usi del libro, tenutosi il 23 e il 24 novembre 2011. Per l’occasione, l’opera grafica di Alcorn è stata messa a fuoco all’interno di un’ampia panoramica della grafica editoriale tra anni Sessanta e Settanta, con varie testimonianze di carattere storico, ma anche di alcuni dei protagonisti, grafici ed editori: Rosellina Archinto, Luigi Brioschi, Giancarlo Iliprandi, Italo Lupi, Alessandro Mendini, Luigi Spagnol, Marzio Zanantoni, Ambrogio Borsani, Maurizio Turazzi, Leonardo Passarelli, Daniele Baroni, James Clough e Mario Maffi.
Attraverso alcuni passaggi della toccante presentazione del figlio, Stephen Alcorn, insegnante di illustrazione presso The School of The Arts, Virginia Commonwealth University, Richmond, ricordiamo qui di nuovo alcuni momenti salienti della vita e dell’opera di John Alcorn.

John e Phyllis Alcorn, Val d'Aosta, 1970, fotografia di Thomas Alcorn (1956-1974).

Come aspirante artista ho avuto la grande fortuna di trascorrere la miglior parte della mia infanzia disegnando accanto a mio padre nel suo studio; avevo il privilegio di assistere e partecipare alla creazione di un’opera d’arte. Per cui per me custodire le gemme lasciate da mio padre significava restare in comunicazione con il suo spirito.

Copertina, 1972.

L’accesso ai suoi originali non soltanto consentiva innumerevoli viaggi nelle proustiane regioni della memoria, ma anche il passaggio in un mondo immensamente ricco e fantasioso in cui appariva una magica confluenza di spirito, umorismo, fascino decorativo, eleganza grafica e potenza di trasformare una cosa banale in qualcosa di straordinario.
È naturalmente ironico che l’opera di un artista riconosciuto, che è stato così tanto “uomo dei suoi tempi”, dovesse essere improvvisamente nascosta agli occhi del pubblico. L’artista che una volta Milton Glaser definì “il prodigioso designer con volto infantile e mani d’oro” si era affermato come una meteora negli anni giovanili. Le funzioni/ruoli importanti negli anni formativi presso i Pushpin Studios e il successivo sviluppo dello stile archetipico degli anni Sessanta sono serviti ad assicurare presto la sua preminenza negli annali delle comunicazioni visive della sua epoca. Versatile per natura e prodigiosamente prolifico, la sua influenza sarebbe stata avvertita in praticamente ogni aspetto dei media a stampa.

Immagine per calendario Morgan Press, 1967.

Guardando al passato, vedo che la sua morte, in modo paradossale è coincisa con una nascita e cioè con il principio della rivoluzione. Che sia migliore o peggiore non si sa, comunque oggi viviamo in un mondo che lui non avrebbe più riconosciuto. L’approccio di mio padre alla sua opera era fondamentalmente artigianale, alla sua radice si trova una coordinazione occhio-mente-mano estremamente fine.

Copertina, 1967.

La passione sfrenata che aveva per le cose fatte a mano garantiva che praticamente ogni aspetto della sua arte - persino gli aspetti meno illustrativi e più tecnici della sua opera, per esempio l’ambiente della tipografia meccanica e le discipline ad essa connessa - emana un calore che è alieno alle sensibilità dominante della tecnologia dei nostri giorni. Rabbrividisco al pensiero di cosa avrebbe pensato mio padre di un mouse, e ancor di più di una tavoletta grafica. Da artista usava tutti i suoi sensi: la sua attitudine a lavorare a contatto con la natura, il suo amore per i materiali e il suo apprezzamento per le caratteristiche tattili garantivano che non ci fosse una divisione meccanica fra l’opera in sé e la mente e le mani che l’avevano creata. Nessun aspetto dell’arte era troppo insignificante o troppo periferico per la sua attenta considerazione e continua attenzione. In ultima analisi, è il contrasto fra l’ethos artigianale di mio padre e l’ethos a indirizzo tecnologico odierno che paradossalmente rende la sua opera così importante per la nostra epoca, e la sua riscoperta così opportuna.

Una componente essenziale dell’opera di mio padre è la presenza floreale, il fiore come elemento decorativo, come icona simbolica e, in effetti, come organo principe del sentimento. Il fiore stava a mio padre come le nuvole a Constable e le mele a Cézanne. Ne è testimonianza l’abbondanza di immagini degli anni Sessanta e seguenti in cui le forme delle lettere che compongono la parola AMORE sono elaborate proprio con questi elementi floreali. O l’immagine lirica della PACE da lui creata nel 1969 - un dipinto acrilico su tela in cui la canna di una pistola si trasforma in un nodo da cui emerge un solitario fiore giallo, composto da gambo e foglie morbide e ondeggianti. Il ciclo acquista un maggiore significato quando nel 1974 crea un acquarello che rappresenta il trionfo dell’anima sulla sofferenza.

Pace, acrilico, 1969

Rosa, acquerello, 1974.

Un’immagine silenziosa/pacifica e delicata in cui una rosa solitaria emerge trionfante da una roccia altrettanto solitaria. Il ciclo raggiunge il suo apice nel 1987, con la creazione del francobollo della serie Amore per i servizi postali americani. Per questo incarico ha ideato un’immagine metaforica a tonalità pastello in cui un fiore si trasforma in cuore policromo fiammeggiante - un tributo commovente al potere alchemico dell’amore che tutto trascende e riconcilia. Quando penso all’opera di mio padre mi viene in mente questa fusione simbolica di due elementi universali per crearne uno di livello superiore, che era emblematica del suo spirito e dei suoi principi guida come essere umano.

Francobollo della serie Amore, 1987.

Naturalmente queste immagini non sarebbero state possibili se non fosse stato per la forte passione di mio padre per l’orticoltura.
Con il trascorrere degli anni, sembra che la distanza fra lo studio e il giardino si sia sempre più ridotta. Nel momento in cui fissò il suo ultimo studio a Hamburg Cove nel Connecticut il suo tavolo da disegno era a pochi passi dal giardino le cui dimensioni ora eccedevano quelle dello studio. Sì, mio padre era in cuor suo un giardiniere.
Conferiva ai suoi sforzi artistici quel genere di spirito diligente, paziente e nutritivo con cui un coltivatore segue il suo raccolto. In questo senso il suo studio era simile a una serra, un laboratorio in cui, come un orticoltore, avrebbe sperimentato, compiendo impollinazioni incrociate tra diversi mezzi e stili e sperimentando con ogni possibile strumento a disposizione. In questo processo è emerso un nuovo modo di vedere.

(Il testo completo dell'intervento di Stephen Alcorn è in uscita sulla rivista “Bibliologia”, Serra Editore).

Immagine per Morgan Press, 1989.

Nel 1962, John Alcorn pubblicava il suo primo libro illustrato per bambini: Books!, edito da Simon & Schuster, quello stesso anno indicato dall’AIGA come il secondo miglior libro illustrato per bambini pubblicato in America. Grazie a Marta Sironi e a Stephen Alcorn abbiamo avuto la fortuna di venire a conoscenza di questo gioiello assoluto. E in seguito anche la gioia immensa, come editori, di poterlo pubblicare. Sarà in libreria a settembre. Ma di questo parleremo più avanti.

Books!, copertina, 1962.

David Hockney e la montagna di vetro

2012-01-26T09:07:00.001+01:00

Si narra che David Hockney abbia deciso di illustrare le Fiabe dei fratelli Grimm affascinato dalla frase di esordio de Il vecchio Rink Rank: «Un Re aveva costruito una montagna di vetro...» L'idea di disegnare una montagna di vetro lo affascinava come problema tecnico. E si diede a risolverlo.

Cliccando sulle immagini è possibile vederle ingrandite e a una migliore risoluzione.

Ma se stiamo a quel che dice Robert Flynn Johnson, curatore emerito dei Fine Arts Museums di San Francisco, David Hockney ha sempre amato le Fiabe dei fratelli Grimm e le avrebbe lette tutte e 220 [sic!]. «A pensarci bene,» avrebbe detto Hockney, «si tratta di storie davvero strane, che raccontano le esperienze più diverse in un'atmosfera fra il magico e il moraleggiante. Sono raccontini affascinanti, scritti in una lingua molto semplice, diretta ed esplicita. E la ragione del loro fascino, secondo me è la loro semplicità.»

Questa passione, vera o inventata che sia, ha dato origine a una serie di trentanove incisioni, realizzate da Hockney fra il maggio e il novembre 1969, ed esposte per la prima volta alla Petersburg Gallery di Londra, che per l'occasione realizzò quattro diverse edizioni e un portfolio, tutti con una tiratura di 100 copie e 15 prove d'artista.

Hockney scelse sei fiabe. Una scelta molto personale, che include, oltre alla già citata Il vecchio Rink Rank, la celebre Raperonzolo, e le meno frequentate Il leprotto di mare (che ricordiamo è la Aplysia Deplians, un nudibranco), Ucceltrovato, Storia di uno che se ne andò in cerca della paura, Tremotino [i titoli sono quelli dell'edizione Einaudi 1951/1992, traduzione di Clara Bovero, con una prefazione di Giuseppe Cocchiara; i testi sono anche disponibili online in questo sito poliglotta].

All'approccio di Hockney alle Fiabe dei Grimm manca completamente ogni intento di abbellimento (una tentazione alla quale hanno ceduto molti illustratori, anche blasonati). Il suo segno è semplice e scarno, come il linguaggio delle fiabe. Le illustrazioni non scendono nel dettaglio, ma si concentrano sull'atmosfera e riescono a restituirci con una straordinaria economia di segno il dramma e la magia dei testi raccolti dai Grimm.

Secondo Peter Webb, autore di Portrait of David Hockney, «his images focus on his imaginative response to the descriptions in the text rather than attempting to concentrate on the most important events in the narrative. They are therefore more than simply illustrations: they stand on their own as images, independent of the stories.» Ma su questo non siamo d'accordo: proprio il fatto che scaturiscano da un'indagine creativa sul testo fa di queste incisioni delle illustrazioni a pieno titolo.

Infatti, a partire dalle incisioni originali è stato realizzato anche un libro: Six Fairy Tales from the Brothers Grimm with original Etchings by David Hockney. È stato pubblicato a Londra nel 1970 da Petersburg Press, in associazione con la Kasmin Gallery. Il libro è minuscolo: undici centimetri di altezza per sette e mezzo di base. È rilegato in pelle blu, con il titolo in argento sul piatto di copertina, e contiene tutte le 39 tavole. Le immagini che accompagnano questo post sono tratte appunto dalla nostra copia di questa edizione.
Le incisioni originali, anche sciolte, sono inavvicinabili ai comuni mortali, ma la prima edizione di Six Fairy Tales si trova, con un po' di pazienza, anche in condizioni eccellenti, a partire da poco meno di cento euro. Chi volesse acquistare una ristampa recente, in formato più grande, può farlo qui.

Va aggiunta, a questo punto, una curiosità. Il frontespizio del libro è accompagnato dal ritratto di una certa Catherina Dorothea Viehmann. Chi era? Diversamente da quanto hanno fatto i folkloristi successivi, i fratelli Grimm non hanno battuto le campagne alla ricerca di vecchiette che raccontassero loro le storie che si erano tramandate oralmente di generazione in generazione. Si avvalevano, invece, di "muse" più domestiche: un'amica di famiglia, una vicina di casa... Ben 40 delle loro fiabe, fra le quali Cenerentola, I tre capelli d'oro del diavolo e La guardiana d'oche, sono state raccolte dalla viva voce della signora Viehmann, una vedova, figlia di un locandiere, che aveva probabilmente sentito raccontare queste storie dagli avventori della locanda del padre.

Visitando la Fil, a Guadalajara. II parte.

2012-01-25T09:20:00.000+01:00

[di Monica Monachesi]

[Continua il report sulla FIL, la Fiera del Libro di Guadalajara, di Monica Monachesi, consulente artistico, curatrice del catalogo e coordinatrice di Le Immagini della Fantasia, Mostra Internazionale d'Illustrazione per l'Infanzia di Sarmede. La prima parte, qui.]

Katsumi Komagata e Elisabeth Lortic.

Domenica, 27 novembre è il grande giorno: al Salon de los Ilustradores devo presentare la mostra Le immagini della fantasia e la Scuola Internazionale di Illustrazione di Sàrmede. Prima di me, parla Katsumi Komagata affiancato da Elisabeth Lortic, e, dopo di me, ci sarà la Premiazione del II Catalogo Iberoamericano. Nel pomeriggio, si apre il programma del Foro Internacional de Ilustracion, FILUSTRA.

Una giornata intensa che si apre con una bella sorpresa.

Per le strade di Guadalajara.

Camminando verso la FIL le strade sono silenziose. La domenica circolano solo bici e posso ascoltare meglio. Mi accorgo che i richiami degli uccelli sono molto diversi: se chiudo gli occhi mi pare di fare i miei passi in una foresta tropicale, davvero, che sensazione! E improvvisamente un colibrì mi passa davanti, lo guardo, e non faccio in tempo a fotografarlo. Poi mi dicono che vedere un colibrì qui non è cosa di cui stupirsi e che per attirarli nei pressi delle case di solito si offre acqua zuccherata.

Entro in Fiera. Sono pronta? Il pubblico sì, e ci sono molto giovani illustratori, alcuni editori, alcuni illustratori che si dedicano alla formazione, come Gerardo Suzan, Guillermo De Gante, professore alla UNAM, e Enrique Torralba (che ringrazio per avermi scattato le foto). C’è anche Belen Freijeiro (editore OQO) che parlerà anche lei a breve.

Belen Freijeiro di OQO.

Tutti rimangono colpiti dalle immagini di Sàrmede, della casa affrescata di Stepan Zavrel, dal programma formativo che la Scuola offre, dai contenuti della Mostra. Questo pubblico è molto preparato e appassionato, molti di questi giovani hanno seguito anche il programma offerto dalla FILIJ a Città del Messico.

Presentando Sarmede.

Concludo la presentazione e lascio lo spazio alla premiazione del II Catalogo Iberoamericano con il quale Le immagini della fantasia ha collaborato: Cecilia Rebora riceve da Nubia Macia (direttrice della FIL) il suo premio: una illustrazione di Jutta Bauer. Ci sono anche Abril Castillo (responsabile di El Ilustradero) brillante e determinata, e Pablo Nuñez di SM.

Jutta Bauer e Cecilia Rebora.

Abril Castillo

Nel pomeriggio, Sandra Lopez apre ufficialmente Il Foro Internazionale di Illustrazione FILUSTRA. Si tratta di due giornate di laboratori (con Jutta Bauer e Noemi Villamuza), conferenze e di incontri con editori e illustratori. Sandra Lopez e Angel Domingo (responsabili di Pencil Ilustradores) hanno elaborato un programma stimolante e davvero intenso e variegato.

Sandra Lopez.

Rebecka Svensén (direttrice ALMA) presenta The Lost Thing, il cortometraggio di Shaun Tan, mentre sullo schermo c’è un augurio speciale disegnato dall’illustratore per la FIL.
Jutta Bauer apre il Foro raccontando quali sono i personaggi che hanno nutrito la sua fantasia e commenta un’immagine che li contiene tutti.

Le illustratrici Noemi Villamuza (Spagna), Claudia Rueda (Colombia) e Isabel Hojas (Cile) si confrontano sulle fasi dello sviluppo creativo di un’idea, accompagnate da Angel Domingo. Vengono proiettate moltissime immagini commentate in modo personale e quasi confidenziale dalle autrici, si parla di ordine e disordine, di silenzio e di musica, di tormento e di piacere, di conflitto e di quiete.

Immagine di Jutta Bauer durante il suo intervento.

Gli eroi di Jutta Bauer.

Noemi Villamuza, Claudia Rueda, Angel Domingo e Isabel Hojas.

Il giorno successivo si apre con la conferenza di Anthony Browne (Gran Bretagna). Davvero ‘magistrale’ questa appassionata esposizione di contenuti ricchissimi che sono quelli di un illustratore che continuamente riflette sulla sua vita, sulle sue passioni e sui suoi sentimenti per creare storie e immagini nuove, il tutto ispirato da un gran rispetto per i lettori e per i bambini.

Anthony Browne.

Il dialogo come premessa essenziale della creazione impegna in una discussione filosofico-teologica Daniel Goldin (editore) e gli illustratori messicani Mauricio Gomez Morin, Ixchel Estrada e Carlos Palleiro. Si rimanda tra l’altro alle riflessioni di Shaun Tan che trovate qui.

Arriva poi il momento dell’illustrazione digitale: Quetzal León (SM Messico) modera l’incontro tra l’illustratore Manuel Monroy e Elisa Castellanos, (editrice CIDCLI) che mostra buoni e cattivi esempi di libri digitali. La conclusione è che che ogni nuovo mezzo espressivo è buono o cattivo a seconda dell’uso che ne facciamo, e Monroy curioso sperimentatore della tecnologia digitale conclude sorridendo con queste parole: “il libro puoi portarlo con te in un’isola deserta”.

FILUSTRA si conclude con Katsumi Komagata, con il suo design essenziale, con i suoi libri dove pieghe, fori e ritagli raccontano storie importanti. C’è un seme di carta che germoglia, un albero che nasce e rinasce tra le pieghe di un libro...

Komagata mostra il suo lavoro per il reparto pediatrico dell'ospedale di Kyushu.

Katsumi Komagata mostra Little tree.

Che mondo meraviglioso quello dell’illustrazione! Non credo di essere riuscita a dare davvero l’idea della ricchezza di questi incontri. Ma mi sento di dire: non perdete mai l’occasione di ascoltare un professionista che si racconta.

(2. continua martedì, 31 gennaio)

Un bambino con la coda non sembra più strano

2012-01-24T09:24:00.000+01:00

[di Guia Risari]

Nel 2011, ho avuto una serie di incontri sui miei libri con i bambini della scuola primaria di Vercurago, dove ho trovato un ambiente aperto e pieno di umanità e di dinamismo. Bambini di diversa provenienza, esperienza e abilità vivono insieme, anche grazie all'impegno delle maestre.
Con l'insegnante, Diana Cattaneo, e la sua terza classe, abbiamo realizzato una lettura creativa e un laboratorio sul mio libro La coda canterina, illustrato da Violeta Lopiz.
La coda canterina racconta la storia di un bambino che una mattina si sveglia e scopre che gli è cresciuta una coda. Una coda molto strana e vispa che non sta ferma un attimo e per di più canta a squarciagola. Allarmati, i genitori e gli adulti del piccolo villaggio in cui il bambino abita, le si attaccano cercando di strapparla, ma la coda prende a crescere e a crescere fino a compiere il giro del mondo, portando con sé gli adulti che, gira e rigira, si ritrovano infine al punto di partenza. A questo punto, però, tutto è cambiato: il bambino è cresciuto e i grandi hanno visto e imparato tante cose nuove. Così, tutti decidono di vivere in pace con la coda che non ha, naturalmente, alcuna intenzione di smettere di cantare.
La prima fase del lavoro con i bambini è consistita nel raccogliere in un pannello tutti i commenti nati dalla lettura del racconto (eccone qui qualche esempio: «Sorprendente è quando sei con un essere vivente.» «La mamma ha la coda legata al piede.» «Il pompiere ha la giubba consumata. Sono poveri.» «Sembra che Ivan abbia il paese in testa. Il bambino cresce nel frattempo. Il villaggio gli va sempre più stretto.»), per poi ricostruire la storia brano dopo brano, come un puzzle, anche attraverso i disegni delle scene che più hanno colpito.

Concluso questo lavoro, ogni bambino ha disegnato una propria coda e la coda di uno dei personaggi della storia. Infine, ho sollecitato i ragazzi a immaginare e poi raccontare quel che poteva essere accaduto agli adulti in giro intorno al mondo, che incontri sorprendenti potevano aver fatto, e con questa storia ognuno ha costruito un vero e proprio libretto.
Così La coda canterina si è arricchita di numerose varianti fino a diventare una storia infinita, una storia che appartiene a tutti: la miglior cosa che può capitare, credo, a una storia. La maestra ha poi fatto realizzare delle code con materiale di recupero da utilizzare durante le feste e a carnevale. Non tutte, naturalmente, canteranno, ma molte sono certa di sì.

Qui, alcune domande che ho posto ai bambini e le loro bellissime risposte:

Non si poteva tagliare la coda con le forbici?
«La coda era una parte del bambino. Perché portargliela via? È come strappare le foglie agli alberi. A tirare non gli faceva male.»
Cosa ha in mano la mamma quando torna dal viaggio intorno al mondo?
«Una sorta di mappamondo, un simbolo del mondo che ha visto. Porta la sua esperienza come un regalo per il bambino.»
C’era davvero motivo di tagliare la coda?
«No, non dava fastidio. Voleva solo far sentire la sua voce e stare con gli altri.»
I genitori hanno imparato molto, viaggiando?
«Sì, hanno visto così tante cose diverse che un bambino con la coda non sembra neanche più strano.»

Per finire, vi propongo in lettura e in visione alcune delle code, scritte e disegnate, che i ragazzi hanno realizzato a partire dalla lettura e dalla discussione di La Coda canterina.

È la coda del pompiere. Si chiama Otto.
Spegne gli incendi e riempie i secchielli.
È divertente e generosa.
Il colore è giallo per la tigre.

(Miriam Banetti e Simone Spiandorello)

La coda del papà. Si chiama SuperSport.
Fa dei tiri micidiali e quando tira fa sempre punto. Gioca a calcio, ma la sua passione sono il basket e il rugby.
Non c’è solo lo sport tra le sue passioni, ma anche la natura.

(Francesco Caiani e Alessandro Radaelli)

È la coda del tabaccaio. Si chiama Fulminex. È molto lunga, forte, grande, nuota, è veloce. Osserva la natura. Alcune volte va a caccia. Il mondo è in mezzo all’oceano, al mare, all’universo, all’aria? A ciascuno la sua risposta. La coda sembra uno squalo, una spada, una lancia. La fine sembra un piede. La testa una manta. In mezzo è a molla per allungarsi.

(Andrea Alborghetti e Emma Scardigli)

È la coda della mamma. Si chiama Farfallina.
È a pois neri e fucsia. Fa bolle di sapone, vola e, con le sue amiche fa arrivare il caldo.
C’era una volta una coda molto bella che apparteneva alla mamma di un bambino magico.
La mamma racconta: una mattina di un giorno molto freddo arrivarono le sue amiche super e fecero venire il caldo.

(Sara Mazzoleni e Matilde Alborghetti)

È la coda del fruttivendolo. Si chiama Fruttatutto.
Vende frutta, fa spremute, rifà i frutti che ha venduto, raccoglie la frutta e la verdura che trova in giro. Cucina verdure e prepara insalate e macedonie. Fa maturare al punto giusto frutta e verdura. Vive a Fruttolandia

(Diana Cattaneo and the kids)

È la coda del gatto. Si chiama Nick Gheit.
È tutta nera con l’estremità bianca. È talmente lunga che esce dal globo. Prende tutto quello che trova da mangiare per portarlo al gatto. Fa la brava per meritarsi cose buonissime.
Ci sono tanti pianeti e stelle e si vedono sole e luna.

(Ibrahim Ghonim e Martina Stanizzi)

È la coda del macellaio. Si chiama Start & Stop.
Difende il macellaio con i pugni e taglia la carne. Ha i guantoni, molti coltelli, è tanto più grande del mondo.

(Alessandro Martello e Luca Papini)

È la coda del fornaio. Si chiama Bengi.
Aiuta il fornaio a fare i panini. Sembra un po’ una coda di procione e un po’ di castoro.
Un giorno il fornaio, mentre faceva i panini, si accorse che aveva una coda con le strisce. Allora la coda decise di aiutare il fornaio. Poi il fornaio la chiamò Bengi. Il fornaio è affettuoso e generoso.

(Nicole Gennuso e Martina Stanizzi)

È la coda del becchino. Si chiama Sandail Crocodile.
La coda costruisce le tombe e seppellisce le persone. È fatta di ossa di uomo, di donna e di bambino. I crani bevono sangue e si nutrono di ceneri di persone morte.
Vive nel cimitero, esce alla luce della luna.

(Stefano Tirinzoni e Alessandro Ferrario)

È la coda del Sindaco. Si chiama Cappellaia.
Costruisce cappelli per il Sindaco. Il Sindaco consuma tanti cappelli perché se li può comprare solo di cartone. Allora la coda glieli fa di tutti i materiali: pezza, stoffa, carta velina, lana, ferro, paglia, cotone, carta, seta, foglie di pannocchia, velluto, pile (si legge pail, ragazzi miei!), carta stagnola, jeans, lamé.

(Filippo Carbonara e Riccardo Valsecchi)

I bambini leggono/3. C'è però un problemino...

2012-01-23T09:03:00.001+01:00

Qualche giorno fa, nella nostra casella della posta, abbiamo trovato questa:

In mezzo alle altre buste, devo dire che si faceva notare. Aveva quel che se si suol dire una certa personalità. Quando l'abbiamo aperta, e abbiamo letto l'inizio della lettera che conteneva, questa idea si è confermata.

E quando siamo passati alla seconda pagina, per continuare a leggere, beh, ne siamo stati completamente conquistati.

Qui sotto vedete la tavola incriminata, realizzata da Simona Mulazzani, che non più tardi di qualche pomeriggio fa era da noi per mostrarci gli schizzi preparatori del nostro quinto libro insieme. Simona e io ci scusiamo con Giona, ammirate dall'attenzione con cui legge parole e figure, con tutta l'intensità dei suoi tre anni. Però siamo anche contente di quei coleotteri al posto dei lepidotteri di ordinanza. Se tutto fosse andato per il verso giusto, lui e la sua mamma non ci avrebbero scritto questa deliziosa lettera, dalla busta all'ultima pagina formicolante di vita.

Simona Mulazzani, illustrazione per Al supermercato degli animali.

Al supermercato degli animali suscita grandi passioni fra i piccolissimi. Tempo fa, quando il libro era in ristampa, ci scrisse una mamma: aveva preso in prestito il libro in biblioteca e, venuto il momento di restituirlo, suo figlio, anche lui treenne, si rifiutava di renderlo, preso da irresistibile amore. Solo che in libreria il titolo non si trovava più, dato che era esaurito. Così, per evitare una delusione cocente, le inviammo in fretta e in furia una delle poche copie rimaste in archivio, con dedica in rima personalizzata. Poco dopo ricevemmo una lettera: la mamma ci raccontò che il suo bambino, ricevuto il pacchetto, aveva osservato la copia spedita con grande attenzione, confrontando ogni pagina con quella del libro preso in biblioteca. E, alla fine, dopo essersi assicurato che tutto fosse al suo posto e le due copie fossero davvero identiche, aveva annuito: «Va bene. Possiamo tenerlo.»
Certo, fa molto ridere a noi adulti l'idea che si possa essere tanto ingenui da non sapere che un libro è stampato in migliaia di esemplari, tutti identici. Ma al di là dell'aneddoto, questo episodio dovrebbe farci riflettere: è proprio vero che tutte le cose sono uguali? E, ammesso e non concesso che siano davvero uguali, non è comunque il nostro rapporto con loro a farle diverse? Le cose sono davvero intercambiabili? E in che misura, lo sono?
I bambini sono lettori esigentissimi, dotati di un'attenzione minuziosa e sopraffina, e di idee molto originali nell'approccio alla vita e nell'interpretazione dell'esperienza
I "topi pittori" ringraziano.

Ilustrarte 2012: l'inaugurazione (quasi) in diretta

2012-01-20T09:11:00.001+01:00

Di Ilustrarte 2012 avevamo già parlato qui, con relativo corollario di polemiche che si è esteso anche qui, essendo stati fra i giurati della selezione. All’inaugurazione non abbiamo potuto partecipare, ma abbiamo il privilegio di condividere con voi il reportage di un inviato molto speciale.

[di Simone Rea]
Io e Rossana arriviamo a Lisbona il 10 gennaio, due giorni prima dell’inaugurazione di Ilustrarte 2012 e con circa trenta minuti di anticipo sull’orario previsto per l’atterraggio.
Pensavamo di prenderci un po’ di vacanza ma, posati i bagagli in albergo, ci dirigiamo subito verso il Museo dell’Elettricità. Sono troppo curioso e non riesco ad attendere l’inaugurazione.
Con grande sorpresa ed enorme emozione in lontananza Rossana nota un disegno dall'aspetto famigliare: la gigantografia di una tavola delle Favole di Esopo. Ma davvero colossale! La situazione si presenta davvero molto stimolante.

Conoscevo Ilustrarte solo tramite informazioni indirette, carpite qua e là sul web. Immaginavo una mostra molto curata in uno spazio interessante, ma di certo non avevo colto la bellezza e l’originalità della location. La mostra è allestita in un’ex centrale elettrica ristrutturata e tenuta come un gioiello che ora viene utilizzata come sede di vari eventi culturali e didattici, oltre che come museo di archeologia industriale.
Essendo arrivati in anticipo, abbiamo avuto la possibilità di vedere l’allestimento in diverse fasi e la fortuna di conoscere i due bravissimi architetti, Pedro Cabrito e Isabel Diniz, i grafici di Silvadesigners e, naturalmente, Eduardo Filipe, ideatore e curatore dell’evento, oltre che ospite caloroso e attentissimo.

Due schizzi del progetto di allestimento della mostra

L’atrio del museo è accogliente e propone tre possibili percorsi: a sinistra, verso l'esposizione degli illustratori selezionati; dritto davanti a noi, dove uno schermo proietta momenti salienti della fase di selezione delle opere; e a destra per visitare la mostra personale del bravissimo Martin Jarrie.
Naturalmente, scegliamo la mostra degli illustratori selezionati e prendiamo a sinistra. Delusione. Non si vede alcun disegno, ma solo un paesaggio surreale composto da un accumulo oggetti che, da lontano, sembrano meduse. O forse funghi. Poi mi avvicino e scopro che è una piantagione di comodini. Ma dove sono le illustrazioni?

Ogni comodino è contrassegnato dal nome di un illustratore. Su ogni comodino c'è una lampada e un bicchiere personalizzato. Insomma, un po’ come nella camerata di un collegio, ma più bello. Bene. Ma dove sono le illustrazioni?

Il comodino di Alicia Baladan

Ogni comodino ha tre cassetti. In ogni cassetto, c’è una delle tre illustrazioni selezionate. E dato che le illustrazioni hanno formati diversi, anche le dimensioni di comodini e cassetti sono diverse.

Il comodino di Simone Rea...

Anche l’altezza dei comodini è strana: sono più alti del normale. A misura di adulto. Alti quanto basta a far sembrare, anzi a far sentire un adulto un pochino più piccolo. Come se celassero un messaggio: ricordatevi che un tempo anche voi eravate bambini!

... e quello di Daniela Tieni.

La sera dell’inaugurazione è tutto veramente speciale!
L'esterno del museo è illuminato da fari e fasci di luce colorata che ne esaltano notevolmente la struttura architettonica e lo trasformano, contrastando con il buio circostante, in un’isola colorata.

Entriamo nella mostra quasi all’apertura e di gente ce n'è già abbastanza. Poi, nel giro di pochi minuti il museo si riempie!
Chi poteva immaginare un'affluenza tale? Tantissima gente, adulti di tutte le età con figli e non, ma soprattutto moltissimi giovani.

Simone dedica cataloghi sotto lo sguardo vigile delle ragazze dello staff di Ilustrarte.

Una cosa che non avevo proprio messo in conto era l’intervista televisiva che, avendo ottenuto la menzione speciale, mi toccava d'ufficio. Io, una telecamera, una giornalista... e intorno tutta la gente che osservava!
Insomma, mi sono imbarazzato da morire. Anzi mi sono proprio bloccato. Alla notorietà non ho ancora fatto l’abitudine.
Certo se avessi vinto il primo premio (con i relativi cinquemila euro di borsa) l’intervista senza preavviso l’avrei digerita meglio. Ma sarà per la prossima volta. Promesso!

Bravo, Simone!

[Ah, a proposito, un altro illustratore (anzi, illustratrice) ha scritto un bellissimo post sull’inaugurazione di Ilustrarte 2012. Lo potete leggere qui. Nello stesso blog, alcuni altri post molti interessanti su Lisbona]
[Le fotografie sono di Rossana Molfetta]

Il significato fondamentale della fratellanza

2012-01-19T09:14:00.001+01:00

Recentemente, ci è stato domandato più volte, da persone diverse, se avessimo libri bilingui in catalogo. La risposta è no. Non abbiamo una ragione particolare per non averlo fatto. Semplicemente, non è ancora accaduto.
Ma ci avevamo seriamente pensato. Come avevamo già accennato in questo post, in passato avevamo tentato di ripubblicare i libri di Antonio Frasconi, ma la trattativa con il suo agente non è andata a buon fine. Il libro al quale avevamo pensato, come primo esperimento, era See and Say – Guarda e parla – Regarde et Parle – Mira ey Habla, a Picture Book in Four Languages, pubblicato nel 1955 da Harcourt, Brace & World.

Frasconi un incisore xilografico di straordinario talento, animato da un forte impegno politico e sociale, ha cominciato a pensare ai libri per ragazzi nel 1952, con la nascita di suo figlio Pablo. A partire da quell’anno, creò una serie di libri a fisarmonica, in copia unica, per presentare a suo figlio il mondo naturale attraverso una sequenza di immagini fra loro collegate, che potessero essere osservate una per una o aperte completamente a formare un panorama. Conosciamo due di questi titoli, grazie al catalogo The Books of Antonio Frasconi, pubblicato dal Neuberger Museum of Art di Purchase (NY), nel 1992, in occasione di una mostra: Plants, Ants and Other Insects del 1953; e A Book of Animals and Insects del 1954.

Antonio Frasconi: Plant, Ants and Other Insects, 1954 (da The Books of AF)

Da questo suo progetto personale scaturirono poi due linee evolutive. Una avrebbe portato a due libri a fisarmonica pubblicati e stampati: Kaleidoscope in Woodcuts (del quale Valentina Colombo ha scritto qui) e A Day in Monterey (che cerchiamo, cerchiamo... e un giorno troveremo). L’altra avrebbe preso le mosse dalla richiesta che Margaret McElderry, uno degli editor di Harcourt Brace and Company fece a Frasconi: sottoporre alla sua casa editrice progetti di libri per bambini. Il primo proposto fu, appunto, See and Say.

Antonio Frasconi, nato a Buenos Aires da genitori italiani, cresciuto a Montevideo, e poi trasferitosi a New York nel 1945, parlava tre lingue. I suoi figli, invece, erano nati e sarebbero cresciuti in un paese nel quale la conoscenza delle lingue straniere era l'eccezione, non la regola e la consapevolezza dell'esistenza di un mondo vasto e variegato al di là dei confini nazionali piuttosto vaga. Secondo lo stesso Frasconi: «Questo non è un libro per imparare le lingue. È un libro per imparare il significato fondamentale della fratellanza.»

Le pagine di See and Say sono popolate di immagini a colori brillanti di cose che interessano ai bambini, come una barca, una farfalla o una torta di compleanno. La parola che descrive ciascun oggetto è riportata in quattro lingue, a ognuna delle quali è attribuito un colore: nero per l’inglese, blu per l’italiano, rosso per il francese e verde per lo spagnolo.
Le illustrazioni sono un monumento al potente immaginario, all’entusiasmo creativo, alla tecnica incisoria e di stampa, all’uso del colore e al senso della composizione di Frasconi.

Chiunque abbia pratica, diretta o indiretta dell'incisione xilografica e della sua stampa, sa quanto questo processo sia laborioso. Il risultato di questo libro è, al contrario, lieve e vibrante. E la stampa litografica dell'edizione, a quattro colori pantone, condotta sotto la supervisione dello stesso Frasconi, riesce a non perdere la potenza e l'incisività dello strumento originale
Nel catalogo della mostra Myth, Magic, and Mistery. One Hundred Years of American Children's Book Illustration (Chrysler Museum of Art, Norfolk, Virginia, 1996), abbiamo anche trovato la riproduzione di una xilografia originale, che vi proponiamo qui sotto.

Per tutte le immagini: © Antonio Frasconi. Le immagini riprodotte sono di pagine di sinistra affiancate casualmente: dato che la legatura da biblioteca, con cucitura a filza, del nostro esemplare è molto stretta, non ci è stato possibile fotografare né le doppie pagine aperte né le pagine di destra.

Visitando la FIL, a Guadalajara. I parte.

2012-01-18T09:11:00.005+01:00

[di Monica Monachesi]

[Guadalajara è una delle più importanti fiere del libro e dunque anche di libri per ragazzi. Noi non ci siamo andati. Però, abbiamo chiesto di raccontarcela a una reporter d'eccezione: Monica Monachesi, consulente artistico, curatrice del catalogo e coordinatrice di Le Immagini della Fantasia, Mostra Internazionale d'Illustrazione per l'Infanzia di Sarmede. Da oggi, e per tre settimane, Monica ci racconterà cose viste, persone incontrate, libri adocchiati, novità e riflessioni.]

Partenza!

C’è un appuntamento molto importante per il mondo del libro che si svolge ogni anno a Guadalajara, in Messico: è la FIL ovvero la Fiera Internazionale del Libro. Nel 2011, si è svolta dal 16 novembre al 4 dicembre, appena dopo la FILJI di Città del Messico (con una mostra personale di Svjetlan Junakovic e corsi di illustrazione diretti da lui e da Manuel Monroy) e quasi in contemporanea con il Salon du Livre di Montreuil. A Montreuil, non sono potuta andare e ho letto molto volentieri i reportage apparsi su Le figure dei libri. Da parte mia, ecco il mio contributo: vi racconto i momenti più interessanti dei miei cinque giorni a Guadalajara.

A Guadalajara, camminando verso la fiera.

Le immagini della fantasia è stata invitata dalla FIL a partecipare alla Giuria del II catalogo Iberoamericano de los ilustradores (realizzato da FIL, Fondazione SM e El ilustradero), e a presentare la Mostra e le sue attività di formazione al Salon de los ilustradores durante la fiera.
Un’occasione da non perdere e un gran lavoro di preparazione che ci ha colti mentre eravamo immersi nei preparativi per l’inaugurazione della nostra 29ma edizione. Però ce l’abbiamo fatta e il 25 novembre sono partita da Bologna per Parigi.

Guadalajara, avenida de las Rosas.

Arrivata Parigi cerco il mio volo per Città del Messico e ci vuole davvero il fisico. Regola fondamentale: viaggiare comodi e leggeri. Una volta sull’aereo tutto bene: tempo per leggere e pensare. Guardo anche molti episodi di Sam Sam di Serge Bloch: bellissimi!
Arrivata a Città del Messico, code interminabili e controlli doganali: perdo la coincidenza per Guadalajara e mi preoccupo perché arrivando in orario avrei trovato chi mi avrebbe portata all’hotel, ma ora non so. Ma ecco i primi angeli custodi, anche loro in partenza per Guadalajara: Pencil! Ovvero Sandra Lopez e Angel Domingo. Vanno anche loro in FIL come organizzatori di Filustra, le due giornate di FIL dedicate all’illustrazione con conferenze e workshop condotti da Noemi Villamuza, anche lei lì, insieme a tutti noi. Potevo trovare di meglio per entrare nel vivo della FIL?

Attenti ad attraversare!

La mattina seguente in albergo, mi trovo in mezzo a tantissimi bibliotecari, soprattutto americani, lì per visitare la Fiera. Dopo colazione, mi dirigo a piedi verso la fiera. Grandi vie trafficatissime. Mi sembra di vedere degli omini blu, mi avvicino e scopro una forma particolare di pubblicità.

Pubblicità per la strada

L’avenida de las Rosas, invece, è piena di alberi e un po’ più tranquilla e conduce dritta dritta in fiera. I pedoni devono stare molto attenti, non sempre ci sono semafori. 10 minuti circa e sono arrivata.
Eccomi all’ingresso della FIL. Fondata 25 anni fa dall’Università di Guadalajara, è un appuntamento attessissimo per un pubblico non solo professionale; la Fiera è un festival della letteratura, il più grande del continente, aperto a tutti, con tanto di FIL niños che offre attività destinate proprio ai bambini. Alcuni numeri: 1.935 editori di 43 Paesi e oltre 700 autori presenti, oltre 660.000 i visitatori.

Finalmente in Fiera.

Mi aspetta un’altra accoglienza decisamente al di sopra delle mie aspettative: cerco l’ufficio di Veronica Mendoza (Exhibitors and Professionals Manager), dove mi accolgono con un caffè che bevo accanto a una gentilissima Elisabeth Lortic (editrice Les trois ourses) e a Katsumi Komagata! Elisabeth mi mette in mano il pieghevole realizzato dalla Mostra appositamente per la FIL.

Insieme a Veronica Mendoza, Katsumi Komagata, Elisabeth Lortic.

Che inizio! Caricatissima, mi appresto a visitare la Fiera, ma mi ancora aspetta un incontro speciale: abbraccio anche Gita Wolf (editrice di Tara Books) con cui abbiamo collaborato intensamente per la nostra 29ma edizione, dedicata alle Terre d’India.
Lascio il Business Center e mi avventuro tra gli stand: ci sono moltissimi giovani, molti passeggini, molte mamme e papà con bambini oltre che visitatori professionali.

Visitando la Fiera.

Per prima cosa, cerco la Mostra del II Concorso Iberoamericano. Come giurato, ho analizzato il lavoro dei 73 partecipanti, ma su computer, da lontano. Ora finalmente posso vedere gli originali dei 30 illustratori selezionati e incontrarne alcuni di persona. Conoscevo già Gerardo Suzan, Beatriz Martin e Enrique Torralba, per la loro partecipazione a Le immagini della fantasia, ma gli altri in gran parte sono stati per me delle scoperte, compresa la vincitrice Cecilia Rebora.
Potete sfogliare qui il catalogo. E qui trovate altre informazioni.

Mostra del II Concorso Iberoamericano.

Mostra del II Concorso Iberoamericano, Cecilia Rebora.

La giuria del Concorso era formata da Adriana Ruano (FIL) Abril Castillo (El Ilustradero), Pablo Nuñez (SM Spagna) e Segundo Perez (SM Messico). La curiosità di conoscere i miei compagni in quest’impresa mi porta verso lo stand di SM, dove trovo Quetzal Leon e Segundo Pérez.

Un angolo tranquillo dello stand SM.

Quetzal Leon e Segundo Pérez.

Che bello incontrarsi: che accoglienza! Una bella chiacchierata con cataloghi e libri in mano per conoscerci meglio e poi si parte per pranzare insieme. Arriviamo in taxi a Tacos Providencia, un posto piuttosto popolare, con una lunga fila di gente che aspetta. Nell’attesa sono attratta da una scritta: Nieve de Garraffa. Segundo mi offre subito l’assaggio. Si tratta di una granita finissima, come neve appunto, di vari gusti. Io ho assaggiato quella alla noce: ottima!

Street food!

Poi ci sediamo a mangiare tacos che uno stuolo di cuochi prepara senza sosta. Sono tutti preoccupati per il piccante, ma a me piace assaggiare. I tacos con carne e varie salse e verdure sono ottimi. Non mi chiedete di dirvi i nomi dei cibi perché non me li ricordo. Ma il pranzetto me lo ricorderò, per l’allegria soprattutto.

I cuochi di Tacos Providencia al lavoro.

Si torna in FIL e continuo la visita, mi soffermo nell’area della nazione ospite: la Germania.

L’allestimento si fa notare: grandi alberi bianchi e arredo essenziale. Jutta Bauer è l’ospite di spicco per l’illustrazione, nel programma anche di Filustra.

Area della Germania, nazione ospite.

Mostra degli illustratori tedeschi.

Una visita è d'obbligo anche allo stand di Fondo de Cultura Economica: tra le molte cose interessanti, ecco un libro illustrato da Manuel Monroy che avrei voluto inserire nella 29ma edizione di Le immagini della fantasia. Appassionante anche l’area dedicata a Antony Browne, con un bellissimo catalogo che FCE ha tradotto in spagnolo e che ovviamente mi sono portata a casa (1, continua).

Allo stand del Fondo de Cultura Economica.

Il libro di Manuel Monroy.

Sezione dello stand dedicata a Anthony Browne.

Continuando a girovagare, scopro una piccola meraviglia: Migrar, illustrato da Javier Martínez Pedro, scritto da José Manuel Mateo, ed edito da un piccolo editore, Edizioni Tecolote.
Su una lunga fisarmonica di papel amate (carta dell’antica antica tradizione olmeca), scorre la drammatica storia di un bambino che dal Messico migra a Los Angeles, simile a quella di migliaia di bambini che ogni anno varcano o cercano di varcare la frontiera. Per saperne di più, qui.

Javier Martínez Pedro, José Manuel Mateo, Migrar, Edizioni Tecolote.

(1. continua mercoledì 25 gennaio)

Presentarsi bene/ 3. A cosa servono le scuole di illustrazione

2012-01-17T09:07:00.000+01:00

Per un illustratore, le Fiabe dei fratelli Grimm sono un cimento, nel senso etimologico del termine. Sono un “tentare la sorte”, invece che con le armi, con matite, pennelli e tavolette grafiche. Tanto per capirsi, a illustrare le fiabe dei Grimm si sono applicati Maurice Sendak e David Hockney (ne parleremo a breve). Per esporsi di fronte a tanta concorrenza, di coraggio ce ne vuole parecchio. E ancor di più ce ne vuole sapendo che il 2012, bicentenario della pubblicazione delle Kinder- und Hausmärchen, sarà l'occasione per molti editori di riproporre interpretazioni più o meno azzeccate dei popolari racconti collezionati dai fratelli di Hanau.
Quindi, è stata una sorpresa trovare nella cassetta della posta, nei primi giorni di gennaio Le Fiabe dei Grimm illustrate. Calendario 2012.

Ancona, 19 novembre 2011: il calendario in mostra alla presentazione.

Si tratta di un un fascicolo a punto metallico di 21 x 21 centimetri composto da 24 pagine (due per mese) stampate su carta da 140 grammi uso mano (penso riciclata), e da una copertina in cartoncino dello stesso tipo, ma da 300 grammi, con il suo bravo buco fustellato per appenderlo alla parete. L'oggetto raccoglie i lavori di dodici illustratori che hanno applicato stili e tecniche differenti a una fiaba di propria scelta.

Laura Paoletti - Il pifferaio di Hamelin:
«Con la mia musica posso condurre con me oggetti animali e uomini.»

La prima cosa interessante è che le dodici illustrazioni non sono affatto generiche, non tendono a una sintesi eccessiva, non aspirano a concludere e rappresentare un intero racconto, ma si riferiscono a un momento, a una frase, puntualmente citata, della fiaba scelta. E sorprende non poco la maturità di alcune di queste scelte: non un momento topico della fiaba, ma un istante preciso, magari non immediatamente evidente, ma importante per l'illustratore, che si fa così carico di rimandarci a una lettura significativa in quanto personale.
Questa riflessione sul testo da parte degli illustratori non è affatto scontata ed è perciò particolarmente apprezzabile. Si tratta di un approccio non casuale, ma programmatico, come rivela la breve introduzione al calendario, quando recita: «Ma per vedere cosa sta accadendo nella storia bisogna farsi un po' più vicino, bisogna tendere le mani, afferrare le parole, sfogliarle una a una e scoprire, dietro di esse, immagini.»

Claudia Palmarucci - I musicanti di Brema:
«Al gallo piacque la proposta e se ne andarono tutti e quattro.»

Questo calendario non è un capolavoro. Anzi, mostra qua e là una certa ingenuità. Ma è ben pensato e ben realizzato. E questa è cosa particolarmente rara e notevole se si ricorda che è il frutto di un lavoro collettivo di giovani alle prime armi (anche se qualcuno di loro ha già più di una pubblicazione e qualche prestigioso riconoscimento all'attivo) che non condividono uno spazio, uno stile, una tecnica o altro. Anzi, sembrano non condividere nulla.

Marisa Ventura - Il prode piccolo sarto:
«Mise il pane accanto a sé, riprese a cucire
e dalla gioia faceva punti sempre più lunghi.»

L'unica cosa che Giulia Frances Campolmi, Alfonsina Ciculi (che ringraziamo per averci spedito il calendario), Estella Guerrera, Marco Lorenzetti, Marisa Ventura, Marco Lafirenza, Sara Oddi, Francesco Giustozzi, Claudia Palmarucci, Laura Paoletti, Federica De Marco e Cecilia Tamburini sembrano avere in comune è l'aver frequentato i corsi AIF Master in Illustrazione per l'editoria a Macerata.

Estella Guerrera - L'oca d'oro:
«Poiché hai buon cuore e dividi volentieri con altri ciò che è tuo
voglio renderti fortunato. Là c'è un vecchio albero:
abbattilo e troverai qualcosa nelle radici.»

Dunque, le scuole di illustrazione a qualcosa servono. Anche se, per assurdo, non insegnassero nulla che i loro allievi già non sanno, avrebbero comunque il grande merito di creare legami, collegamenti, reti. I quali, a loro volta, generano idee, ipotesi di lavoro, esercizi. E contribuiscono a risolvere il problema dell'essere, in quanto illustratori, professionalmente, e per definizione, soli.

Ricominciare dai bambini

2012-01-16T09:00:00.001+01:00

Lunedì 9 gennaio, sulle pagine culturali de L'Unità, uno dei pochi media che si occupa con continuità e approfonditamente di libri per bambini e ragazzi, è uscito un articolo di Giovanni Nucci dedicato alla nostra collana Gli anni in tasca. Una grande, bella sorpresa, che fa cominciare con una nota positiva questo inquieto 2012. Teniamo molto a Gli anni in tasca, e con noi, credo, gli autori che sono entrati a farne parte: tutti, invariabilmente, una volta che ci sono caduti dentro, ci si sono affezionati, per quel che scrivere su questo tema, la propria infanzia, evidentemente comporta. Ci rendiamo conto che non sia una collana 'facile': ce l'hanno detto, e ce lo dicono, i librai. A progetto incubato, non ne ha fatto mistero il distributore. E lo abbiamo immaginato anche noi, fin dall'inizio. Ma la prospettiva era troppo accattivante, per non rischiarla. Al punto che, poi, da una costola della collana sono nati anche Gli anni in tasca graphic.

Va detto anche, comunque, che questi libri hanno trovato, subito, degli estimatori: per esempio la giuria del Premio Andersen che nel 2010 li ha ritenuti la miglior collana di narrativa. Nel tempo, poi, hanno saputo convincere librai perplessi, insegnanti diffidenti, ragazzini recalcitranti, genitori rassegnati ai gusti fantasy dei figli... insomma, passo passo si sono fatti amare, anche grazie a nomi importanti che si sono generosamente prestati a entrare in catalogo: da Roberto Denti, ad Antonio Faeti, a Giusi Quarenghi, a Luisa Mattia, a Bernard Friot, a Ugo Cornia, per dirne alcuni. I giornalisti, poi a volte sono stati generosi, come Stefano Salis che nell'inserto domenicale de Il Sole 24 ore ha segnalato la grafica innovativa della collana, dovuta a Luigi Raffaelli, sulle prime non poco criticata, forse per la decisa difformità rispetto all'immagine di altre collane di narrativa per ragazzi.

Anche altri giornalisti sono stati generosi, come Claudio Origoni, che fin dall'inizio si è innamorato del progetto e l'ha seguito e recensito, su Il Corriere del Ticino. Cos'altro dire? Che vale la pena di riportare alcune parole di Giovanni Nucci, che, al di là del fatto di avere parlato bene della nostra collana, in questo articolo fa alcune belle e condivisibili osservazioni sull'infanzia, sulla sua importanza, e sugli scrittori che se ne occupano. Lo fa anche riportando un brano di La città è una nave, di Federica Iacobelli, uno dei volumi della collana da pochissimo in libreria. Pensiamo che non ci sia modo migliore per presentarvelo su questo blog.

Abbiamo già detto (e dovremo dirlo ancora più forte adesso che, per quanta fatica ci costerà, l’occasione di una ricostruzione è ben più concreta e a portata di mano) che bisognerebbe ripartire dall’infanzia. Per quanto nei decenni passati l’infanzia è stata misconosciuta, ovvero riconosciuta esclusivamente come luogo commerciale, un’estensione al ribasso dell’adolescenza, ridare all’infanzia il proprio ruolo e spazio (culturale, sociale, politico) può essere forse il grande investimento per il futuro di questo paese: ricominciare dai bambini. Ma per farlo sarebbe utile capire veramente che cos’è l’infanzia; anche perché a vedere dalle politiche messe in atto a riguardo fino ad ora, si ha l’impressione che non sappiamo affatto di cosa si tratti.
Ma per questo, e per fortuna, c’è la letteratura.
Così sarà d’aiuto andarsi a rileggere, per esempio, Tom Sawyer o le Petit Nicolas. Oppure affidarsi alla collana «Gli anni in tasca» del piccolo e raffinato editore milanese Topipittori. I racconti qui pubblicati sono spesso un’ottima rappresentazione di quella profonda e complessissima faccenda che pure ci appare tanto lineare e semplice, e cioè la vita di un bambino. Certo, occorre essere degli scrittori (e intendiamo veri scrittori, non se ne trovano molti in giro). Si prenda Federica Iacobelli, ad esempio, le bastano dieci righe:
«“Chiamiamolo cacca”. Io rispondo così. Mamma si chiede che nome dare al fratello che nascerà tra poco. E lo chiede anche a me, con la sua voce dolce e la sua pancia che è invisibile però cresce davanti. Che coraggio che ha, la mamma. Come può pensare che io scelga un altro nome se non Cacca per questa cosa o essere o bamboccio che arriva senza che io lo abbia voluto? Luigi come il nonno? Vincenzo come il compagno dell’asilo di cui mi sono innamorata? Gianni come il poeta delle filastrocche che già leggo? No no. Cacca mi sembra il nome adatto. Dico sul serio, eh, mica per giocare: a cinque anni so di che cosa parlo. E non capisco perché mamma rida».
[...] La verità è che il rispetto che hanno le arti per l’infanzia non lo ha nessun altro (meno che mai la scienza, la filosofia o la politica). Per il semplice motivo che artisti e scrittori è all’infanzia che vorrebbero arrivare; tutti gli altri, in genere, tendono a volersene allontanare. [...] Perché questa idea, l’immagine che questi scrittori riescono ad offrirci del loro passato non è nostalgica, nessuno di loro nasconde gli enormi problemi che comporta da sempre essere bambini, ma è di fondazione, costituzionale. Il che dimostra un’altra cosa: chi è veramente ottimista guarda indietro, non avanti.

Dal chiasso alla parola/ 3. Nell'aula silenziosa della mente

2012-01-13T08:59:00.001+01:00

Nel 2006, Giordana Piccinini mi propose di scrivere la recensione di un libro per la rivista “Hamelin. Storie Figure Pedagogia”. E mi spedì Infanzia di Nathalie Sarraute. Lo lessi subito. Si trattava di una autobiografia di infanzia e raccontava la storia del formarsi di una identità e di una lingua. Mi piacque immensamente e accettai la proposta. La recensione, dal titolo La battaglia delle parole, uscì sul numero 16 della rivista. Oggi ve la propongo in lettura. La trovate qui.

Credo che la storia del modo in cui nella nostra mente, nel nostro corpo, cominciano a formarsi le parole e con esse cominciamo a orientarci nel mondo, nominando e dando significati, coincida per tutti, non solo per la Sarraute, con la nascita della coscienza e, quindi, dell'identità. Ripercorrere la vicenda delle proprie parole, potrebbe rappresentare per tutti la possibilità di accesso a significati vitali per la comprensione della propria esperienza e storia, significati spesso non affiorati alla luce, perché smarriti, negati, occultati, censurati. Accedervi non è facile. La psicoanalisi ci insegna ad addentrarci nella foresta del senso smarrito lasciando cadere una scia luminosa di parole-ciottolo, via via che si spofonda nel buio, per ritrovare la strada di sé. Ci insegna con questo a riconoscere la potenza della parola, la sua capacità salvifica, ma insieme anche la sua forza distruttiva.

Nathalie Sarraute, scrittrice rigorosissima, lucidissima, ha avuto la tenacia e il coraggio di raccontare la vicenda privata e crudele delle parole che l'hanno costruita. La battaglia serrata fra la lingua degli adulti e la lingua in formazione dei bambini. Una battaglia invisibile e sanguinosa, combattuta fra le quattro mura della quiete domestica e, da queste, dissimulata.
Vi assicuro che vale la pena di leggerla.

Una truppa di elegantissime formiche

2012-01-12T09:11:00.002+01:00

Qualche giorno fa, ci è giunto un pacchetto dalla Corea. Quando ci arriva un pacchetto dalla Corea, di solito siamo piuttosto contenti. Spesso all'interno c'è uno dei nostri libri, tradotto in coreano. A parte la soddisfazione di prendere in mano per la prima volta la nuova edizione (dopo mesi di trattative condotte con mostruosa determinazione da Valentina), sapendo che il nostro libro avrà nuova vita in un altro paese del mondo, soddisfazione di per sé già grande, si aggiunge lo stupore di vedere un testo noto apparire nello sconosciuto, enigmatico, seducente alfabeto coreano. Il coreano è una lingua grafica quante altre mai. Sembra inventata da un grafico particolarmente fantasioso, dotato di un senso spiccatamente teatrale della tipografia e delle parole, che si sia annoiato dei soliti caratteri e delle solite lettere.

Quando abbiamo aperto il pacchetto che conteneva l'edizione coreana di Il nostro libro dei colori di Harriet Russell, l'impressione è stata esattamente questa.
Per farvi capire cosa intendo, ecco qui le tre edizioni del libro nelle tre lingue: coreano (Mirae Media and books), francese (Editions Autrement), italiano.

Che ne pensate? Nell'edizione francese è il colore a farla da padrone, in decisa controtendenza rispetto all'impianto sobrio voluto e disegnato da Harriet che, con ironia british, dichiara un libro sui colori in una copertina al limite della monocromia, e concepisce un racconto che al colore arriva pian piano, per colpi di scena progressivi e dosati.

Godetevi le immagini di Harriet e del libro, con il testo in coreano. Non vi sembrano percorse da una truppa di meticolose, ordinate ed elegantissime formiche? Formiche un po' aliene, che mandano messaggi disegnando strani sentieri sulla pagina, alla maniera di certe misteriose popolazioni che si divertirono tracciando cripitici disegni nei deserti del Perù. Formiche intelligentissime, intente a incomprensibili dimostrazioni matematiche atte a spiegare la natura di una fetta biscottata, dell'ombra blu di una porta, delle righe di una zebra, della grassezza di una coppia di cani gemelli?

Abbiamo realizzato questo libro ormai alcuni anni fa, nel 2005. Harriet Russell è una bravissima grafica e illustratrice inglese, che lavora per numerosi quotidiani, magazine, editori. Ha pubblicato gran parte dei suoi libri illustrati con l'editore Corraini. Noi però abbiamo avuto la soddisfazione di essere stati i primi a commissionarle un albo illustrato per bambini. Siamo piuttosto affezionati a questo libro, cosa non strana, dato che Harriet è un'autrice di grande finezza, senso dell'umorismo, sottigliezza, oltre a essere una fantastica disegnatrice.

I suoi libri, tutti belli, sono caratterizzati da questi tratti. Che si ritrovano in misura direi perfetta nell'ultimo, mescolati a un estro surreale, a una vocazione per il paradosso: Sixty Impossible Things Before Lunch, (Sessanta cose impossibili prima di pranzo) che fa il verso alla famosa affermazione contenuta in Through the Looking Glass (Six impossible things before breakfast), di Lewis Carroll, maestro incontrastato di acute, ambigue e, solo apparentemente, irreali visioni.
Insomma, pensiamo che il libro di Harriet meritasse davvero una edizione coreana, che non fa che accentuarne il carattere misterioso.

Un'ultima osservazione, abbastanza curiosa: Il nostro libro dei colori, in edizione italiana, ha trovato un canale ideale di vendita nei negozi della Città del Sole. Ci siamo chiesti perché: che sia frequentato da un pubblico trasversale che, in tutta Italia, ma solo in questi punti vendita, lo ama? O ha trovato qui dei librai che lo capiscono o lo propongono? O qui incappa in bambini dai gusti anglosassoni? O tutte e tre le cose? Sono quel tipo di misteri del mercato che fanno la gioia e la croce degli editori.
In ogni modo: grazie librerie delle Città del Sole!

Gerald, Assuntina e Diego, ovvero: i bambini sono alieni?

2012-01-11T09:08:00.002+01:00

Quando ero piccolo, la Rai trasmetteva ancora in bianco e nero, non c’era il telecomando e la tv ci veniva concessa con il contagocce. Allora, abitare a Milano era un privilegio perché si poteva vedere la Televisione della Svizzera Italiana. Per me era la mecca: intanto era a colori; e poi, il sabato prima di cena, dopo le estrazioni del lotto svizzero (uno spettacolo in sé) c’era Scacciapensieri, mezz’ora di esilaranti cartoni animati vecchi e nuovi. Altro che Giocagiò, con quella noiosissima sigla di Lele Luzzati.

È stato su Scacciapensieri che ho scoperto Gerald McBoing Boing: un cartone animato degli anni Cinquanta, realizzato dalla UPA da un soggetto di Theodore Gieser, alias Doctor Seuss. Erano le avventure, raccontate in rima seussiana e disegnate con un bel tratto tondo e solido e un uso parco ma efficace del colore a tinta piatta, di Gerald McCloy: un bambino che, invece di parlare emetteva i suoni più sorprendenti, fra i quali risaltava il caratteristico “boing boing” che gli dava il nome. Ecco come sono andate le cose.

L’identificazione fu immediata. Anche se con meno drammaticità, anche a me sembrava di parlare una lingua che gli altri non capivano. Le conseguenze erano più o meno le stesse: la costernazione dei genitori, che si trasformava progressivamente nella convinzione che la diversità fosse una malattia. Mi auguravo che anche per me, come per Gerald, venisse il tempo della riscossa: ma ero quasi convinto che, anche se avessi avuto lo stesso successo di Gerald, anche i miei genitori, pur orgogliosi, avrebbero continuato a considerarmi uno strano oggetto da maneggiare con cautela.
Di avventure di Gerald Mc Boing Boing ce ne sono poi state altre. E c’è stato anche un Oscar come miglior corto d'animazione. Da qualche anno è arrivato un restyling: una riedizione, con doppiaggio in italiano. Mi sono rifiutato di guardarla. Se proprio volete correre il rischio, andate su YouTube. Io mi tengo ben stretti i miei ricordi.

Le straordinarie avventure di Gerald mi hanno fatto pensare a quanto sia forte in me la convinzione che i bambini siano alieni, proiettati qui sulla terra dallo spazio siderale. Come scrive Diego Malaspina in Miralat, se c’ero già, se un’idea qualunque di me esisteva in un punto del cielo, si trovava di certo in un luogo dove i fenomeni della terra non si notavano nemmeno. E lì, in quel posto dal quale non si godeva alcuna vista del mondo che li avrebbe accolti, con Diego sta Gerald. E sta Assuntina, poi precipitata, con un piglio e una parlata assurdamente milanesi nella Napoli più profonda di Incantesimo Napoletano.

Per Gerald e Assuntina, si prospettano finali diversi. Con la fiducia che solo gli americani hanno nel progresso e nella tecnologia, il professor Joyce trova il modo di rendere comprensibili i suoni che il bambino produce e nell’epilogo, ci troviamo il rassicurante bel salottino con l’ometto in poltrona (Tutto suo padre, direbbe una zia), che parla con i genitori solo al telefono, distillando frasi prive di senso ma dispensatrici di felicità (How now brown cow).

Anche la povera Assuntina trova sulla sua strada lezioni di lingua, anche più esilaranti di questa.

Ma con la fiducia che solo gli italiani hanno nell’amore dei genitori per i figli e viceversa, Assuntina, ormai grande, offre il figlio al padre - apparentemente innocuo, ma rapinoso (lui deve stare qui sotto con me) - come agnello sacrificale sull’altare dell'armonia familiare. Chissà quale lingua parlerà il nuovo, povero, piccolo alieno. (Il finale è lungo e potete vederlo qui.)

Topipittori

Sbarcare il lunario: la giornata di un'illustratrice

Cincischio, non mi agito e vado lemme lemme/II

I regni dell'immagine/ 5. Facce!

Lunghe linee all'orizzonte

Un piccolo mostro selvaggio (con il suo pigiamino con coda e orecchie)

Questa non guardatela, che sono venuta male.

Cincischio, non mi agito e vado lemme lemme/I

Avventure/ 2: Dialogo semiserio fra Semiserie

I regni dell'immagine/ 4. Venezia a volo d'uccello

Un elefante nascosto nella felpa

La scelta di fare delle scelte / II

Mr. e Mrs. Darwin e uno strano marinaio

In questo mondo dell'invenzione: un'illustratrice in gita

Un bel signore alto e una biondina timida

Diario tardivo di un'illustratrice a Parigi

La scelta di fare delle scelte / I

Questo gioco con regole ignote

White rabbits! White rabbits!

Visitando la Fil, a Guadalajara. III parte.

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Visitando la Fil, a Guadalajara. II parte.

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Ilustrarte 2012: l'inaugurazione (quasi) in diretta

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Visitando la FIL, a Guadalajara. I parte.

Presentarsi bene/ 3. A cosa servono le scuole di illustrazione

Ricominciare dai bambini

Dal chiasso alla parola/ 3. Nell'aula silenziosa della mente

Una truppa di elegantissime formiche

Gerald, Assuntina e Diego, ovvero: i bambini sono alieni?

Questo gioco  con regole ignote